Fuga en Dannemora (T1) | Se escaparon de la rutina

Damas y caballeros. Pasen y vean. Sean ustedes bienvenidos… a la cárcel. Dejen todas sus pertenencias y sus libertades en la puerta. Así, fría y sucia se presenta ‘Fuga en Dannemora’ una serie de lo más incómoda y menos amable de los últimos años pero que termina resultando irresistible.

Nos adentramos en la típica rutina que se vive dentro de una cárcel, un lugar donde el tiempo se detiene y los límites los ponen los barrotes. Allí dentro los presos se dedican a matar el tiempo mirando al techo de su celda, jugando a las cartas, leyendo libros, trapicheando, drogándose e incluso matándose entre ellos. Hay quienes tienen la suerte de dedicarse a sus hobbies favoritos como la pintura o trabajar en el taller de costura de la penitenciaría.

Y así va pasando el tiempo en la cárcel de Dannemora. Presos que se conocen y se convierten en colegas, compañeros de trabajo o enemigos entre bandas rivales. Incluso se forjan amistades entre presos y guardias, entre asesinos y funcionarias. Pero para todos ellos, ya sean buenos o malvados, para todos ellos va pasando el tiempo. Se van sucediendo los días trapicheando o en jornada laboral pero todos ellos se mueven presos del tiempo.

Así se entra en ‘Fuga en Dannemora’, sin saber qué hora es. La historia podría estar perfectamente ambientada en el presente, hace treinta años o en los 70 y a nadie le extrañaría. Al entrar en la serie, la única pista que tenemos del exterior es la de las canciones que suenan en la radio. A través de ella nos situamos en el tiempo de una historia que resulta atemporal porque la lectura final es que los presos no se escaparon de la cárcel sino de la rutina de sus vidas.

La serie comienza con la noticia de la fuga de dos presos de la cárcel pero que por el propio tratamiento que hace en el primer capítulo se podría adivinar que dicha fuga parece no importarle ni a la propia serie. Resulta curioso que la huida de los presos no se presente como una hazaña o, todo lo contrario, como un peligro para la sociedad. Nada de eso. En realidad, parece no importarle a nadie ni a los compañeros presos ni siquiera a los policías. Más bien, la fuga se presenta como un ligero inconveniente, como una fuga en el Sistema que tarde o temprano acabará siendo reparada.

Dos auténticos actores de cine como Benicio del Toro y Paul Dano interpretan a los dos presos protagonistas que preparan la fuga de la cárcel. Benicio del Toro encarna a la fuerza de la naturaleza en su personaje pero también el arte del trapicheo. A veces es montaña, la paciente calma, fuerte y soñadora de pulso firme. De los que parece tenerlo todo controlado. Un personaje que es presencia y carisma. Su compañero de andanzas, Paul Dano encarna la inseguridad de la edad y al mismo tiempo la obediencia del obrero. De personalidad nerviosa, impaciente y más emocional. Aunque se concentra bastante bien y no se cansa en golpear cuando encuentra el punto flaco de un muro.

La tercera pata del trípode es una irreconocible Patricia Arquette que es la guinda del pastel. Interpreta a una mujer que trabaja como funcionaria de la prisión. Para darle emoción a su vida mantiene una especie de romance con uno de los presos. Y decir más sería privarles del resto del pastel porque el personaje de Arquette es una auténtica delicia. Sería mejor que la conocierais por vosotros mismos. Y ya está. La serie nos presenta tres personajes que, a priori, hace que nos preguntemos cómo demonios han acabado llegando ahí. Las vueltas que tiene que dar la vida, uno presume, para que esos personajes, los primeros por obligación y la otra voluntariamente, ingresen en prisión. La mala suerte de la vida que acecha en cada esquina pero no, la explicación es mucho más sencilla: la gente no cambia.

Lo que resulta muy curioso de la serie es ver cómo los personajes cambian dependiendo del lado de la verja en el que se encuentren. Porque rápidamente vemos cómo se comportan dentro de una prisión pero fuera de ella, en libertad, son verdaderamente distintos. Por eso el propio edificio de la cárcel se presenta como si fuera el cuarto protagonista de la serie. La prisión tiene sus propias reglas y su propia atmósfera sucia como de taller local de aluminio situado en cualquier polígono industrial a las afueras de cualquier ciudad. Y la serie quiere impregnar ese aire sucio en los espectadores.

La serie consta de ocho capitulazos dirigidos por Ben Stiller que arranca con una dirección muy del estilo de los noventa aunque con cierta sobriedad. Pero a cada episodio va mejorando hasta alcanzar un nivel de auténtica maestría cinematográfica. Destaca la escena de la claustrofobia en la tubería y, sobre todo, aquella secuencia inicial que comienza en la celda y termina en la alcantarilla lo que viene siendo la narración en imágenes de la ansiada travesía de dentro afuera hecha del tirón.

La esencia de la serie es la construcción de los personajes. De ritmo pausado pero sin pausa, la historia va avanzando y calando en el espectador, incluso se podría decir que termina por ser cómplice de la rutina que vive los tres personajes protagonistas. La historia nos conduce por las sinuosas curvas del camino hasta que de pronto, así de golpe y porrazo, la serie se marca un capitulazo en plan precuela para ahondar en los personajes y sus miserias que te deja una huella imborrable.

Fuga en Dannemora’ destaca por una magnífica fotografía, una ambientación muy cuidada y un ritmo de la narración al estilo ‘Fargo’ pero que termina por marcar su propia personalidad al relato. Está protagonizada por tres actores de cine como Benicio del Toro, Paul Dano y Patricia Arquette. Los tres son muy buenos. Les acompaña un David Morse muy acertado.

Qué esperar de una serie que va sobre personajes encarcelados, de una montaña que sueña con la libertad, de un joven que quiere vivir deprisa y de una mujer dominada por su egoísmo. Se puede esperar disfrutar de una historia que ansía respirar aires de libertad, romper con lo establecido y mucha (y perfecta) suciedad. ‘Fuga en Dannemora’ como una serie de tres personajes que planean escapar del sistema cuando en realidad solo desean salir de la rutina.

Fuga en Dannemora: 8/10

PD: “…algo tenía que hacer”.

PD2: Basada en una historia real.

Un café con spoilers: Roma | La masterclass de Alfonso Cuarón

Hay gente que sueña con el cielo cuando friega el suelo. Qué tontos. Jamás lo conseguirán pero ellos no lo saben. Hay gente con tan mala suerte que ha nacido para perder. Qué tontos. Por mucho que lo intenten jamás lo conseguirán pero ellos no lo saben. Se lo puedes decir en mil idiomas que jamás lo entenderán. Ellos seguirán erre que erre con su causa, en su cabezonería. No puedo imaginar qué clase de fuerza interior les tiene que mover por dentro para que sigan nadando contra viento y marea. Todo eso y más se esconde detrás del enigmático título de ‘Romade Alfonso Cuarón.

Eso sí. No esperen milagros. No los hay. Cuando la vida golpea, siempre lo hace dos veces. No hay palmaditas en la espalda, ni grandes heroicidades. Se trata de la magia de las pequeñas cosas que se esconden a simple vista en el segundo plano. Una película que es una oda a esos momentos invisibles que nadie ve. Cuando aparentemente no está pasando nada y está pasando de todo. Y es por eso por lo que, como espectadores, lo hacemos nuestra, por compartir esos momentos íntimos cuando nadie nos está mirando. ‘Roma’ es de una sensibilidad tan delicada que es capaz de emocionar en cualquier momento.  

La magia de un abrazo, la magia de saber esperar tu turno para hablar, la magia de no saber qué hacer y tirar para adelante, la magia de arrepentirte de haberte arrepentido cuando lo ves por primera vez masacrado por la mala suerte. Y aún así, hay qué ver, era lo más hermoso que había visto nunca. La belleza pura. La pura injusticia de la vida.

‘Roma’ es magia. La magia concentrada en los momentos breves de la vida diaria desde la perspectiva de las criadas que se encargan de cuidar de los niños y de la casa que relata la película. No se puede decir más de la sinopsis, tienes que verla. O mejor, tienes que ir descubriéndola.

La grandeza de la película radica en la fotografía. Una composición fotográfica impecable de las que hacen Historia en el Cine. Todo está perfectamente desordenado y desaliñado. Pero tampoco está tan perfecto para que parezca que sea perfecto lo cual hace que sea aún más perfecto. Para entender bien de lo que hablo tienes que verla.

Una fotografía que bebe del cine clásico, de obras anteriores del propio Cuarón y de amigos, y de los grandes maestros de la pintura como el uso de la luz y de la lluvia para marcar la profundidad de campo o como aquella otra escena del perro a quién le colocan delante de su destino de una forma que recuerda a ‘Los fusilamientos’ de Goya.

Alfonso Cuarón crea un microcosmos en cada uno de los fotogramas. En un mismo plano pueden estar sucediendo varias historias interesantes al mismo tiempo. El plano está compuesto de una belleza tan magistral que te redirige la mirada hacia la principal y otras, en cambio, hacia la secundaria. ‘Roma’ respira como se respira en la realidad, cada plano tiene vida propia, está en continuo movimiento, todo el mundo actúa independientemente y parece que nadie está al servicio de una historia principal.

La sensación que transmite al espectador es que realmente nos hayamos colado en un pedacito de realidad de la vida de estas personas. Es como si observásemos como viven, sufren y aman pero al mismo tiempo la realidad va a su bola y en cualquier momento podría estallar una revolución en las calles. Es como si salieras del cine con tu pequeño gran drama y a nadie le importara. La vida sigue porque la vida tiene que seguir.

Hemos hablado de que el movimiento forma parte de la fotografía de la película pero también el ruido y los silencios. La escena en la que la protagonista espera pacientemente su turno para hablar en el sofá es profundamente emotiva. Es como si de una parte del plano emanara una fuente de silencio que ni los gritos de los niños fueran capaces de distraernos a nosotros, los espectadores. El film está lleno de silencios pero la magia de la película radica en que es capaz de narrar a través de las imágenes.

Tampoco hay grandes discursos. Ni se alza la voz en ningún momento frente a las injusticias. A veces las historias se cuentan por sí solas. Como la metáfora del coche y la enorme entrada (¿triunfal?) del Rey de la Casa. El típico descuido tonto porque las mujeres no saben conducir. O el típico “no es culpa vuestra”.

Y en el medio de todo eso, un niño. Un niño que dice haber vivido muchas vidas. Un niño demasiado niño que le toca ser el primero en morir en las historias fraternales. Un niño que no se da cuenta de que está siendo criado por mujeres excepcionales. Un niño que todavía no lo sabe pero que ya sueña con conquistar los corazones de medio mundo con una historia de astronautas atrapados en el espacio, probablemente absurda. Ese niño ya se ha hecho mayor y se llama Alfonso Cuarón y ‘Roma’ es la historia de las mujeres que le criaron en casa. Un homenaje a todas ellas.

No te pierdas la magia que se esconde en ‘Roma’ de Alfonso Cuarón. Y después de todo lo escrito en esta reseña estoy casi completamente convencido de que la película os va a decepcionar. Es normal, forma parte de la magia y de la vida.

Roma: 9,50/10

PD: No importa lo que te digan. Siempre. Estamos. ROMA.

PD2: Dos apuntes más: 1) El VAR dice que no hay fallo de raccord. Y 2) Sí, lo has pillado, es un juego de palabras que tiene un nombre…

Seminci 63: La caída del Imperio Americano | El incorruptible sentido del humor de Arcand

Denys Arcand nos plantea el hipotético escenario sobre qué seríamos capaz si nos encontráramos dos bolsas llenas de dinero en la calle. Actuaríamos como buenos samaritanos devolviéndolo o nos lo quedaríamos para satisfacer nuestros caprichos más caros. Así arranca ‘La caída del Imperio Americano’, una fina comedia sobre cómo afecta el dinero en la sociedad.

Comienza con una primera escena cargada de intenciones donde nos presenta a un joven protagonista que se cree demasiado listo para poder hacer algo provechoso con su vida. Así que dedica su tiempo para ser repartidor. Llegado el momento se verá ante la vicisitud de ser testigo de un robo donde todos los implicados acaban mal. Así que ahí, en la calle delante de él tendrá dos bolsas cargadas de dinero que puede cogerlas sin que nadie lo vea.

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Un dilema que pondrá a prueba la capacidad de gestión de las habilidades del protagonista. El joven coge el dinero en una decisión que promete ser arriesgada y que tiene toda la pinta de ser mucho más problemática que beneficiosa. Porque alguien aparecerá para reclamar el botín ya sea la policía, el líder de los ladrones o el legítimo propietario. A partir de ahí una serie de personajes interesados por el dinero orbitarán alrededor del protagonista.

La película se desarrolla en un tono de comedia dramática con un sentido del humor muy agudo e irónico. Se trata de una mirada muy amable sobre el dinero y la relación que tiene cada uno de los personajes con el dinero. Cada cual mira el dinero de una forma distinta pero todos buscan conseguirlo para su beneficio personal. Advertido de que el dinero corrompe, el protagonista deberá gestionar su ambición para que el dinero no acabe con él. Como dice la canción “Money, Money, Money”.

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Denys Arcand nos presenta un retrato muy amable acerca del dinero y cómo éste afecta a la sociedad. Y lo hace con un exquisito sentido del humor. “Denys Arcand observa la sociedad, no la juzga” dice la productora Denise Robert, esposa del director. A través de los personajes nos presenta multitud puntos de vista y su relación con el dinero, lo que hace a la película tremendamente interesante.

‘La caída del Imperio Americano’ resulta arrebatadoramente tierna por ser capaz de reunir a una serie de personajes improbables que compaginan muy bien. Una película en la que “el amor y la compasión sobre pasa el valor del dinero”, dice Denise Robert. Está protagonizado por Alexandre Landry, Rémy Girard y Maripier Morin. Un trío de personajes maravillosos.

Una comedia muy amable sobre el valor del dinero en la sociedad. ‘La caída del Imperio Americano’ es una película muy interesante que no busca llegar al bolsillo del espectador sino a su corazón. Magnífica, no se la pierdan.

La caída del Imperio Americano: 7,50/10

PD: “El dinero te va a podrir la vida, ya verás”.

PD2: Estreno previsto en España en marzo 2019.

Killing Eve (T1)| Voy a ser sutil… es una de las series del año

Que no os engañe su faceta angelical, su vestido de seda o su perfume. Que no os engañe su poderío visual, su formidable e ingenioso guión o su calculado ritmo narrativo. Que no os engañe, no es solo fachada. Es algo más. ‘Killing Eve’ es una de las series del año.

‘Killing Eve’ fue una de las grandes olvidadas de los premios Emmy de este año en el que obtuvo solo dos nominaciones: Mejor Actriz Protagonista de Drama para Sandra Oh y Mejor Guión de Drama. Esta última nominación de forma obligada por el bien de la credibilidad de los premios. Es una pena que una serie no reciba la atención que se merece durante la temporada de premios simplemente porque no es lo bastante popular cuando es capaz de alcanzar un grandísimo nivel consiguiendo que el cuarto capítulo sea una Obra Maestra de la intriga.

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La serie se planta bajo la premisa de que hay una asesina a sueldo que destaca por la meticulosidad de sus métodos, su creatividad y su espontaneidad. Eve (Sandra Oh) es la agente del Servicio Británico que la persigue y que actúa en la trama como su contrapunto: un ratón de oficina que se atreve a salir al trabajo de campo. Las dos jugarán a una persecución al gato y al ratón por distintas ciudades de toda Europa.

La serie es un perfecto juego de contrastes. Dos personajes con dos tonalidades distintas. Una es perfecta, de luz cálida, atractiva, feliz y segura. La otra es todo lo contrario. Resulta ser un perfecto desastre, de luz gris, poco atractiva, desgraciada e insegura. Se puede resumir cuando la serie nos transporta de una soleada y bonita escena de la asesina a un oscuro callejón de Londres repleto de cubos de basura.

Cada capítulo arranca con una escena visualmente atractiva y narrativamente deliciosa. Una secuencia que seduce y engancha. Toda una declaración de intenciones de la serie que consigue brillar en su máximo esplendor en la escena donde Eve describe con sumo lujo de detalles los rasgos faciales de la asesina en un maravilloso primerísimo plano inolvidable.

Sandra Oh y Jodie Comer son el ratón y el gato. Destaca la gran evolución de Eve y lo bien que Sandra Oh reconduce la madurez de su personaje. Sorprende la gran expresividad y descaro de Jodie Comer en el papel de la asesina. Ambas le dan fuerza a un guión ya de por sí magnífico e ingenioso con un humor muy fino y delicado de alta costura, perdón, de alta escritura. El guión está para enmarcarlo en el salón.

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Contiene muchas escenas memorables como los diferentes encuentros entre los dos personajes protagonistas, la persecución a pie de calle en Berlín o la ‘fiesta’ de cumpleaños. La historia te engancha en el sentido de que como espectador no sabes muy bien si quieres que atrapen a la asesina por complicidad con Sandra Oh o si deseas salvarla de los peligros que la acechan por su personalidad tan locamente atractiva.

Inevitablemente acabas empatizando con la psicópata y quieres que le salgan bien las cosas. Todos los capítulos están rodados de forma magistral con un buen pulso del suspense y un fino ritmo de la intriga perfectamente calculado. La fotografía es portentosa.

El episodio de la trampa también está muy bien. La serie da un giro cuando se introduce en la cárcel rusa donde los problemas acechan a las dos por separado y la iluminación se vuelve tenebrosa. Por momentos recuerda al reciente thriller psicológico de ‘Gorrión Rojo’. Se trata de una serie producida por BBC America y que llega a nuestro país de la mano de HBO.

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El nivel de la serie se mantiene en lo más alto durante los ocho episodios de su primera temporada que lleva la firma de su creadora Phoebe Waller-Bridge, para mí todo un descubrimiento. La primera temporada se despide no sin antes enfrentar a su protagonista más letal ante su fiel reflejo en forma de niña de doce años. Una serie que es más inteligente de lo que parece, visualmente exquisita y narrativamente magnífica. Quizá el final desentona un poco con el resto del vestido pero se comprende que se haya permitido una licencia artística para continuar con la historia. Y es que con una serie así uno no quiere quedarse en la primera temporada.

Killing Eve: 8,50/10

PD: ¿He sido muy sutil?

Todos lo saben | Pintan bastos en el western de Farhadi

El director iraní Asghar Farhadi se atreve con un thriller psicológico de la España profunda. Todo un western fundamentado en el cruce de miradas, de dimes y diretes que parece convertirse en una partida de póker. A la mesa se sientan a jugar Javier Bardem, Penélope Cruz, Eduard Fernández, Elvira Mínguez, Ricardo Darín, Bárbara Lennie, Ramón Barea e Inma Cuesta a una partida para ver quién oculta mejor los ases en la manga. Y todos ellos se la juegan a una sola carta: la del secuestro de la niña.

Así es cómo veo que plantea Farhadi su nueva película ‘Todos lo saben’ rodada en nuestro país. Pero dejémonos de metáforas, la historia arranca con la llegada al pueblo de Laura (Penélope Cruz) para asistir a la boda de su hermana. Durante la celebración secuestran a su hija adolescente. A partir de ahí la atmósfera en torno a la familia se llena de sospechas, tensiones y dobles juegos.

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Destaca esa atmósfera enrarecida de supuesta alarma familiar, esa calma inquieta después de la tormenta y ese acompañar la pena de la madre desde la fría distancia. Esos parientes tan preocupados que parecen guiar los pasos de la mujer sobre las diferentes casillas del tablero que la dirigen hacia su propio beneficio. Ese gran farol que se marca a las cartas el personaje de Javier Bardem, en teoría de cara a la galería, y que es respondido, a su vez, por un magnífico ‘pues lo veo y subo la apuesta’ del personaje de Penélope Cruz

Entre medias de la partida los aspavientos de Inma Cuesta que sin decir nada lo dicen todo. Actúa como espectadora de lujo de una partida de póker entre gigantes y que sin mucho recorrido se convierte en un papel fundamental en la trama. Todo envuelto en un ambiente de continua tensión que nos mantiene en alerta ante la aparición de cualquier síntoma de duda, falsedad o equivocación.

El director Asghar Farhadi coloca las piezas de un thriller psicológico que por su tratamiento y su complejidad parece sacado de los western modernos que se hacen hoy en día en Hollywood como la reciente ‘Tres anuncios en las afueras’. Un delicioso thriller psicológico para los amantes del género que necesita de la participación del espectador cual Inma Cuesta en la pantalla.

La película cuenta con una fotografía muy cuidada, excesivamente recargada en los primeros diez minutos de metraje porque Farhadi quiere contar demasiadas cosas en poco tiempo. Sin embargo, va cogiendo altura según la historia va avanzando. Está protagonizada por un reparto de lujo con un Javier Bardem desatado y entregado al juego de la ambigüedad como en ‘madre!’; Penélope Cruz majestuosa; Eduard Fernández y Elvira Mínguez que transpiran Verdad; junto con Ricardo Darín, Bárbara Lennie, Ramón Barea e Inma Cuesta.

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Contiene momentos memorables como la conversación Bardem-Cruz pero la película no se deja llevar por el drama en ningún momento. Se trata de un thriller psicológico que convierte al espectador como parte del espectáculo y que si te dejas atrapar por su juego la disfrutarás en todas sus dimensiones. Se nota el pulso de Farhadi manejando a los personajes y el tempo de la acción como un director de orquesta. Al final, la mano benévola de Farhadi libera a sus personajes de la culpa para que sea el espectador quién los juzgue y los condene. Al final de la partida todos se sienten ganadores y la única que pierde es la niña.

Todos lo saben: 7,75/10

PD: Los aspavientos de Inma Cuesta me representan.

Las distancias | El desencanto de los nuevos treintañeros

‘Las distancias’ arranca bajo la inocente premisa de un grupo de amigos que viaja a Berlín para darle una sorpresa al chaval de la cuadrilla que tuvo que emigrar para buscarse la vida. Aterrizan en un Berlín gris en el pisito de un treintañero que se halla lejos de la vida prometida. El retrato de una generación reflejada en las distancias físicas y emocionales del típico grupo de amigos inseparables.

Cuatro amigos se plantan en Berlín para darle una sorpresa por su cumpleaños al emigrante del grupo. Pronto se disipará la euforia y descubrirán que no llegan en el mejor momento para ninguno de ellos.

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Se trata de un drama generacional de jóvenes treintañeros y en parte una radiografía de la juventud española de los licenciados de aquellos años. Todo eso bañado en un barniz de tonos grises que cuanto más avanza más nublado se pone.

La típica amistad de colegueo de cuatro capullos (más el anfitrión) se transformará en un viaje al interior de sus vidas en el que cada uno esconde una historia incómoda de contar. La historia está sustentada por un magnífico guión que va dejando entrever las distancias, no solo físicas sino emocionales, entre los distintos componentes del grupo de amigos.

Un guión espléndido, cinco actores muy buenos y poco más, con eso la directora y coguionista Elena Trapé demuestra que con muy poco se puede contar una gran historia. Con una fotografía muy trabajada, un uso de la luz muy natural y una puesta en escena muy efectiva que hace que brille el guión y el talento de Elena Trapé.

Una película lleno de sutilezas como la conversación fuera de plano de Alexandra Jiménez, ese momento silencioso cuando llega la chica alemana al piso y los pequeños detalles de las conversaciones que van desgranando las vidas particulares de los personajes.

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El guión brilla en parte también por el gran trabajo de los actores donde destacan Alexandra Jiménez, Miki Esparbé (‘Perdiendo el norte’) y un Isak Férriz muy bueno haciendo de capullo integral.

‘Las distancias’ se alzó como la gran triunfadora del Festival de Málaga al llevarse tres premios: Mejor Película, Mejor dirección y Mejor Actriz para Alexandra Jiménez. Una película que es buena porque golpea en el corazón de la generación de treintañeros que viven en el desencanto de la vida adulta. Especialmente gris y especialmente dramática, ‘Las distancias’ duele por lo cercana que resulta.

Las distancias: 7,25/10

PD: ¡Qué fin de semana tan absurdo!

Operación U.N.C.L.E. | Vacaciones en Roma by Guy Ritchie

Si Guy Ritchie le dedica una ¿carta de amor? a Londres en ‘Snatch’, entonces su lugar de veraneo favorito es Roma y nos invita a compartir la experiencia en una peli de espías en ‘Operación U.N.C.L.E.’ con Henry Cavill, Armie Hammer y Alicia Vikander ¿Quién podría resistirse a una invitación así?

La película es un juego de espías en plena guerra fría con Henry Cavill de agente de la CIA y Armie Hammer de la KGB. Entre medias está la chica a la que supuestamente tienen que salvar que luce el rostro de Alicia Vikander. Todo ello envuelto en un aroma de elegancia y sofisticación al puro estilo de las pelis antiguas de James Bond.

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El gran logro del director Guy Ritchie es convertir la típica historia oscura de espías de la guerra fría en un anuncio de perfume de dos horas. Manteniendo el interés, por supuesto. Una película fresca, interesante y que seduce por su encanto. Ese magnetismo radica en el repertorio de frases ingeniosas y, sobre todo, la impoluta presencia de sus protagonistas en pantalla. Para darle verosimilitud ya está Guy Ritchie con su cámara haciendo mil y una piruetas, colocando la cámara en el lugar preciso para sacar el plano perfecto y al mismo tiempo que no se note su presencia en favor de la historia. Es el estilo Guy Ritchie.

Si ‘Snatch’ era sucia, ‘Operación U.N.C.L.E.’ es la elegancia hecha película. Pero ambas tienen en común el pulso en la cámara de Guy Ritchie. Tras unos primeros minutos de una gran ambientación de la Berlín dividida, la película te envuelve en su fotografía, vestuario y el carisma de sus actores para que el espectador olvide la época en la que está ambientada la historia. Y lo hace con maestría. Al cabo de unos minutos te mete tan de lleno en la trama que te hace partícipe de la experiencia como si se tratase de la actualidad.

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Cuando te quieres dar cuenta te descubre una especie de láser que corta una valla metálica por arte de magia y durante unos segundos lo ves como algo normal porque, en fin, debe formar parte del kit de cachivaches de un espía al uso. Para cuando descubres el truco te saca una sonrisa cómplice. Porque así es Guy Ritchie, no solo es un gran guionista es también un gran director.

Operación U.N.C.L.E.’ es una gran película de entretenimiento que invita a pasar unas minivacaciones de verano en Roma con la mejor compañía Henry Cavill, Armie Hammer y Alicia Vikander. Conduce Guy Ritchie que también hará las fotos durante la estancia. Que la disfruten.

Operación U.N.C.L.E.: 7/10

PD: Vacaciones con estilo.

Nebraska | El Quijote de Alexander Payne

“Hacia algún lugar de Nebraska de cuyo nombre no quiero acordarme, se dirigía…” así podría comenzar ‘Nebraska’ la película de Alexander Payne y Bob Nelson sobre un Quijote moderno que se empeña en creer que ha ganado un millón de dólares de una correspondencia por correo.

Protagonizada por un Bruce Dern que luce de un aspecto de lo más quijotesco, desaliñado, ingenuo, soñador y senil. Acompañado por su fiel escudero Will Forte, su hijo en la ficción, y la terriblemente encantadora June Squibb como la Dulcinea que se deja de cuentos para salvarse a sí misma y a su Don Quijote. Todo ello ambientado en la América profunda actual que tiene mucho más en común con la Castilla de Cervantes de lo que parece.

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Don Quijote de Nebraska y su fiel escudero

La película arranca con nuestro protagonista, Don Quijote, caminando sobre el arcén de la carretera cuando le para la policía. Se dirigía hacia Nebraska. El motivo de que emprendiera tal semejante viaje era que había recibido al buzón una carta de publicidad en el que decía que era el ganador de un millón de dólares, lo que comúnmente se conoce como spam si te llega al correo electrónico del ordenador. Pero el problema está en que nuestro protagonista se lo cree firmemente y decide ir a cobrar tan sustancioso botín.

Tras sucesivas escapadas, su hijo decidió coger a Rocinante, perdón, su coche y se lo llevó a recorrer mil doscientos kilómetros para tenerle feliz unos cuantos días cumpliendo con la fantasía de su viaje pero, sobre todo, para pasar un tiempo con su padre. Un padre alcohólico, testarudo y desinteresado con todo lo que pasa a su alrededor. Un hombre tan hermético que solo podrá conocerle realmente cuando realicen una parada de fin de semana en el pueblecito dónde se crió.

Un lugar que se caracteriza por la sencillez de sus gentes y por ser un oasis de tranquilidad donde parece que el tiempo sigue detenido desde hace años. Quién más quién menos se dedica al cuidado de los rebaños o el campo, y sin demasiadas cosas a las que dedicar el tiempo de ocio. Aquel pueblo y sus gentes marcaron la vida de nuestro Don Quijote.

Nebraska’ no es una película de grandes escenas ni de frases elocuentes sino que se trata de un film de sensaciones. La sensación de volver al pueblo, de nostalgia, de cualquier tiempo pasado fue solo pasado, el paso del tiempo. La relación que tiene el protagonista con su familia, de pocas palabras, dice mucho de él. Es una película muy de pueblo, o al menos a mí me recuerda mucho al mío con esas conversaciones sobre coches, sobre aquel hombre que sale a sentarse para ver la carretera o las calles desérticas que hacía un tiempo presumían de ser las más transitadas de la comarca.

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Sus sobrinos Humpty y Dumpty

Nuestro Quijote de Nebraska vuelve a los orígenes y son sus dos sobrinos quiénes nos dan la bienvenida a lo Humpty Dumpty al mundo que le vio crecer. Don Quijote no se volvió loco por las novelas de caballerías sino por vivir dentro del cuento de ‘Alicia en el país de las maravillas’. Un lugar donde todo el mundo tiene algo que decir y muy hábiles a la hora de darle la vuelta a la tortilla. Todos quieren algo de Alicia.

El momento más memorable de toda la aventura es la visita al cementerio narrada graciosamente por su mujer y que Bruce Dern acompaña con un silencio conmovedor. Su cara lo decía todo, o mejor lo sentía todo, sin tener que decir nada.

Nebraska’ es una película pequeña en su forma pero te tiene intrigado por la locura de Don Quijote, por el premio y por los avispados vecinos del pueblo quiénes volvieron loco a Don Quijote/Alicia. Porque a veces, los gigantes no están esculpidos en piedra en el Monumento Rushmore sino son mucho más pequeños y cercanos. Como todo gran viaje por carretera, ‘Nebraska’ tiene un final muy emotivo al estilo ‘La vida es bella’ que es mi debilidad.

Nebraska (2013): 8,5/10

PD: “No pueden decirlo si no es verdad”

Ready Player One | En busca del Rosebud de Spielberg

‘Ready Player One’ es como una enorme carrera de Hot Wheels de realidad virtual mientras se está librando la batalla definitiva del Halo en un universo infinito en el que te sientes como en casa pisando a fondo el pedal de tu viejo Delorean de toda la vida. Es un puro caos de innumerables oportunidades cargado de un ambiente nostálgico gamer muy amable.

En un futuro próximo existe una realidad virtual paralela llamada ‘Oasis’ donde la gente se conecta para realizar todas las cosas que no puede hacer en la vida real. Un chaval de los suburbios (Tye Sheridan), muy aficionado al videojuego, y sus amigos se apuntan a encontrar una especie de Santo Grial que ha escondido el difunto creador de ‘Oasis’. Quién encuentre el preciado objeto oculto heredará todo su legado. Dando comienzo así a una carrera sin cuartel que alcanzará ambas realidades y las cuatro dimensiones.

Los efectos visuales son espectaculares. Te meten de lleno en un universo paralelo de videojuego. Es un film muy nostálgico porque contiene muchísimos guiños a películas, series y videojuegos de los años 80 y 90. La verdadera gracia de la película es ir a verla y descubrir cada referencia por uno mismo. Estoy seguro de que cada uno encuentra una historia diferente (dentro de la misma) en función de los recuerdos propios de cada uno y cómo cada referencia le hace teletransportarse a su propia infancia. La clave de la película es que es capaz de crear una experiencia personalizada según los momentos vividos por el espectador. De ese modo, ‘Ready Player One’ se convierte en una pieza única.

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Ready Player One’ es un viaje al futuro pero sin despegarse del pasado. La película funciona como gasolina que aviva el fuego de nuestros propios flashbacks. Una cadena de saltos en el tiempo que convierte la simple carrera por el valioso trofeo en una búsqueda por el ‘rosebud’ de Steven Spielberg, el creador entre creadores. Aunque la película no ofrece respuestas a todas las preguntas uno sí puede llegar a intuir el porqué de la vasta imaginación del director a lo largo de su carrera. Es como si Spielberg filmara su propio biopic.

Protagonizado por Tye Sheridan, Olivia Cooke (‘Yo, él y Raquel’) y Mark Rylance (‘Mi amigo el gigante’). La película engancha desde el principio por unos efectos visuales descomunales pero va perdiendo fuelle según avanza por una trama bastante amable y por saturación de dichos efectos visuales. A medida que vamos conociendo la figura del fundador de ’Oasis’ su aura se va haciendo tan grande que se come al resto de personajes quiénes acaban relegados a un segundo plano.

Ready Player One’ es una película que no te puedes perder por su relevancia, la época que refleja y por supuesto, para bien o para mal, los efectos visuales. Se trata de un viaje en busca de ese nosequé que guarda Steven Spielberg dentro de sí que le ha permitido crear universos fascinantes a través de sus películas y que ha hecho soñar a muchas generaciones de niños de todas las edades. Solo por eso, ‘Ready Player One’ se convierte en una de las películas imprescindibles de la temporada.

Ready Player One: 7/10

PD: Are you ready?

 

PD2: Tráiler versión ‘Come with me’

Aniquilación | El fenómeno Garland

‘Aniquilación’ se presenta como una película de ciencia ficción pero en realidad es como uno de esos fenómenos meteorológicos que comienzan con una fina lluvia tropical que se acaban convirtiendo en un huracán de categoría cinco que arrasa con cualquier certeza que tengas en la cabeza. Es lo que los científicos de Giro de Guión denominan: el fenómeno Garland.

La premisa de ‘Aniquilación’ es sencilla. Una burbuja alienígena amenaza con engullirse nuestro planeta mientras la comunidad científica estudia la manera de detenerla. Tarea que parece imposible cuando nadie de las diferentes expediciones ha vuelto de la burbuja para contarlo. Hasta que regresa un hombre (Oscar Isaac), sin memoria, y entonces a su mujer (Natalie Portman) le entran unas ganas locas de meterse en la burbuja de cabeza.

La virtud de Alex Garland en sus películas ‘Ex Machina’ y ‘Aniquilación’ no es la de dar respuestas a los enigmas del universo sino la de formular las preguntas correctas. Luego cada uno en casa que se devana los sesos como quiera o, mejor aún, que se abran una serie de debates jamás antes imaginados pero necesarios. ‘Aniquilación’ plantea muchas de esas preguntas correctas donde aborda diferentes temas como el concepto de Belleza, la mezcla genética y la autodestrucción.

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La idea más grande de ‘Aniquilación’ es que presenta la posibilidad de la llegada de un ente, ni bueno ni malo, que quiere imponer su mundo y sus reglas sin tener idea de que, al mismo tiempo, está destruyendo el nuestro. Lo que nos lleva a la cuestión principal de la película: “¿para crear un mundo totalmente distinto y mejor resulta absolutamente necesario destruir el viejo?” Incluso Alex Garland quiere llegar más lejos lanzando otra pregunta “¿y si no lo está destruyendo sino que lo está transformando (mejorando)?”, que sería el punto de vista del susodicho ente.

Uno de los detalles que más llama la atención es la escena del oso estrenando sus nuevas cuerdas vocales. Alex Garland utiliza la voz, de los pocos elementos únicos e irrepetibles que poseemos cada uno de nosotros como seres humanos, como una metáfora para hacer ver que el cazador cuando caza absorbe la fuerza vital del cazado. Luego en un plano más terrenal la película utiliza la teoría de los átomos y el simbolismo del faro como elementos narrativos.

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Aniquilaciónnos fascina por una fotografía y un guión que te atrapa desde el principio para llevarte de la mano sin rechistar hacia el nuevo mundo y sus preguntas. Más allá de una película, ‘Aniquilación’ es toda una experiencia sensorial, sobre todo, por un final que recuerda a las performances que se exponen en los museos de Arte Contemporáneo.

Protagonizada por Natalie Portman que está acompañada de un Oscar Isaac (‘Ex Machina’) con el que no me gustaría jugar a las cartas. Y ojo con Jennifer Jason Leigh que, convertida ya en una clásica secundaria de lujo, aquí realiza un papel mucho más interesante de lo que pueda parecer a simple vista.

Aniquilación’ no es una fuente de respuestas sino de preguntas. Porque, a veces, para seguir avanzando, la mejor respuesta es otra buena pregunta.

Aniquilación: 8/10

PD: Más que una película, es una experiencia