Fuga en Dannemora (T1) | Se escaparon de la rutina

Damas y caballeros. Pasen y vean. Sean ustedes bienvenidos… a la cárcel. Dejen todas sus pertenencias y sus libertades en la puerta. Así, fría y sucia se presenta ‘Fuga en Dannemora’ una serie de lo más incómoda y menos amable de los últimos años pero que termina resultando irresistible.

Nos adentramos en la típica rutina que se vive dentro de una cárcel, un lugar donde el tiempo se detiene y los límites los ponen los barrotes. Allí dentro los presos se dedican a matar el tiempo mirando al techo de su celda, jugando a las cartas, leyendo libros, trapicheando, drogándose e incluso matándose entre ellos. Hay quienes tienen la suerte de dedicarse a sus hobbies favoritos como la pintura o trabajar en el taller de costura de la penitenciaría.

Y así va pasando el tiempo en la cárcel de Dannemora. Presos que se conocen y se convierten en colegas, compañeros de trabajo o enemigos entre bandas rivales. Incluso se forjan amistades entre presos y guardias, entre asesinos y funcionarias. Pero para todos ellos, ya sean buenos o malvados, para todos ellos va pasando el tiempo. Se van sucediendo los días trapicheando o en jornada laboral pero todos ellos se mueven presos del tiempo.

Así se entra en ‘Fuga en Dannemora’, sin saber qué hora es. La historia podría estar perfectamente ambientada en el presente, hace treinta años o en los 70 y a nadie le extrañaría. Al entrar en la serie, la única pista que tenemos del exterior es la de las canciones que suenan en la radio. A través de ella nos situamos en el tiempo de una historia que resulta atemporal porque la lectura final es que los presos no se escaparon de la cárcel sino de la rutina de sus vidas.

La serie comienza con la noticia de la fuga de dos presos de la cárcel pero que por el propio tratamiento que hace en el primer capítulo se podría adivinar que dicha fuga parece no importarle ni a la propia serie. Resulta curioso que la huida de los presos no se presente como una hazaña o, todo lo contrario, como un peligro para la sociedad. Nada de eso. En realidad, parece no importarle a nadie ni a los compañeros presos ni siquiera a los policías. Más bien, la fuga se presenta como un ligero inconveniente, como una fuga en el Sistema que tarde o temprano acabará siendo reparada.

Dos auténticos actores de cine como Benicio del Toro y Paul Dano interpretan a los dos presos protagonistas que preparan la fuga de la cárcel. Benicio del Toro encarna a la fuerza de la naturaleza en su personaje pero también el arte del trapicheo. A veces es montaña, la paciente calma, fuerte y soñadora de pulso firme. De los que parece tenerlo todo controlado. Un personaje que es presencia y carisma. Su compañero de andanzas, Paul Dano encarna la inseguridad de la edad y al mismo tiempo la obediencia del obrero. De personalidad nerviosa, impaciente y más emocional. Aunque se concentra bastante bien y no se cansa en golpear cuando encuentra el punto flaco de un muro.

La tercera pata del trípode es una irreconocible Patricia Arquette que es la guinda del pastel. Interpreta a una mujer que trabaja como funcionaria de la prisión. Para darle emoción a su vida mantiene una especie de romance con uno de los presos. Y decir más sería privarles del resto del pastel porque el personaje de Arquette es una auténtica delicia. Sería mejor que la conocierais por vosotros mismos. Y ya está. La serie nos presenta tres personajes que, a priori, hace que nos preguntemos cómo demonios han acabado llegando ahí. Las vueltas que tiene que dar la vida, uno presume, para que esos personajes, los primeros por obligación y la otra voluntariamente, ingresen en prisión. La mala suerte de la vida que acecha en cada esquina pero no, la explicación es mucho más sencilla: la gente no cambia.

Lo que resulta muy curioso de la serie es ver cómo los personajes cambian dependiendo del lado de la verja en el que se encuentren. Porque rápidamente vemos cómo se comportan dentro de una prisión pero fuera de ella, en libertad, son verdaderamente distintos. Por eso el propio edificio de la cárcel se presenta como si fuera el cuarto protagonista de la serie. La prisión tiene sus propias reglas y su propia atmósfera sucia como de taller local de aluminio situado en cualquier polígono industrial a las afueras de cualquier ciudad. Y la serie quiere impregnar ese aire sucio en los espectadores.

La serie consta de ocho capitulazos dirigidos por Ben Stiller que arranca con una dirección muy del estilo de los noventa aunque con cierta sobriedad. Pero a cada episodio va mejorando hasta alcanzar un nivel de auténtica maestría cinematográfica. Destaca la escena de la claustrofobia en la tubería y, sobre todo, aquella secuencia inicial que comienza en la celda y termina en la alcantarilla lo que viene siendo la narración en imágenes de la ansiada travesía de dentro afuera hecha del tirón.

La esencia de la serie es la construcción de los personajes. De ritmo pausado pero sin pausa, la historia va avanzando y calando en el espectador, incluso se podría decir que termina por ser cómplice de la rutina que vive los tres personajes protagonistas. La historia nos conduce por las sinuosas curvas del camino hasta que de pronto, así de golpe y porrazo, la serie se marca un capitulazo en plan precuela para ahondar en los personajes y sus miserias que te deja una huella imborrable.

Fuga en Dannemora’ destaca por una magnífica fotografía, una ambientación muy cuidada y un ritmo de la narración al estilo ‘Fargo’ pero que termina por marcar su propia personalidad al relato. Está protagonizada por tres actores de cine como Benicio del Toro, Paul Dano y Patricia Arquette. Los tres son muy buenos. Les acompaña un David Morse muy acertado.

Qué esperar de una serie que va sobre personajes encarcelados, de una montaña que sueña con la libertad, de un joven que quiere vivir deprisa y de una mujer dominada por su egoísmo. Se puede esperar disfrutar de una historia que ansía respirar aires de libertad, romper con lo establecido y mucha (y perfecta) suciedad. ‘Fuga en Dannemora’ como una serie de tres personajes que planean escapar del sistema cuando en realidad solo desean salir de la rutina.

Fuga en Dannemora: 8/10

PD: “…algo tenía que hacer”.

PD2: Basada en una historia real.

Infiltrado en el KKKlan | Tras las trincheras de la comedia con Spike Lee

‘Infiltrado en el KKKlan’ es un drama de humor negro que arranca con dos discursos. El primero con un político ultraconservador y el segundo con un llamado revolucionario afroamericano. El director Spike Lee los contrapone elevando el tono hasta su máximo nivel. Mientras que las exageraciones del blanco son para partirse de risa de puro disparate, el del segundo asusta un poco por tender hacia un lenguaje beligerante. El caso es que las palabras se las lleva el viento y solo quedan los hechos. Y los hechos son que los fanáticos del político apalean y atropellan a los negros y los seguidores del revolucionario son quienes reciben los palos mientras lo rapean.

Se trata de una comedia negra, incómoda, que escuece y que no tendría por qué llevar colgado el molesto cartel de ‘película necesaria’ si no fuera porque Donald Trump, un hombre con ideas a lo David Duke, fuese hoy el presidente de los Estados Unidos.

La película se centra en la atrevida premisa de qué pasaría si un negro se infiltrara en la organización del Ku Klux Klan. Basada en hechos reales, el primer contacto se hace por teléfono así que el protagonista se ve obligado a utilizar a un doble, que se haga pasar por él, para el trabajo de campo. Una historia que camina sobre un guion muy fino pero que no da puntada sin hilo.

Cuando uno está viendo ‘Infiltrado en el KKKlan’ sabe automáticamente que está delante de una gran película. Porque es una comedia incisiva con un guion magnífico. Pero, al mismo tiempo, te va inundando la sensación de que la película no acaba de cuajar. Y eso es porque el director y guionista Spike Lee ha decidido suprimir de la película toda carga dramática. Todo se desarrolla en un tono de comedia incómoda bastante ingeniosa. No se toma un respiro para explorar el drama o la tensión que se puede llegar a vivir al estar infiltrado en semejante organización.

Es una película que se centra en su guion. De esta forma, Spike Lee potencia lo que quiere decir alzando la voz y arrojando algo de luz en esta era de postverdad. Y lo hace en un tono conciliador, de hecho, ya de primeras coloca a un policía negro, con oídos cuasi neutros, en un mitin revolucionario. Es como si el director (negro) quisiera que los espectadores blancos nos infiltrásemos allí a través de él. Y que nos dijera que entiende que aquellos discursos beligerantes llegaran a infundir temor. Porque quién no se haya equivocado nunca que tire la primera piedra.

Es una película con mensaje con un guion muy complejo dado los distintos personajes cada cual con diferentes puntos de vista. Es una comedia negra muy ingeniosa que termina con una bofetada de realidad. Y es que siempre duele más que alguien se ponga a atropellar a la gente (véase los atentados de Charlottesville y las Ramblas de Barcelona, ambos ocurridos en agosto de 2017) que a que te cuenten un chiste que no te guste. No es comparable.

La película da para mucho debate pero aquí lo dejamos. Cuenta con un gran reparto de actores donde destaca el protagonista John David Washington, para mí todo un descubrimiento, Adam Driver y Topher Grace. Sin olvidar, el gran trabajo de fotografía cargado de una bella factura visual.

Infiltrado en el KKKlan’ es una película que arrastra al espectador hacia las trincheras de la comedia, donde recibes los tiros igualmente pero al menos te diviertes contando chistes sobre negros y blancos.

Infiltrado en el KKKlan: 7,50/10

PD: “Me gustó mucho lo que dijiste por teléfono”.

Operación U.N.C.L.E. | Vacaciones en Roma by Guy Ritchie

Si Guy Ritchie le dedica una ¿carta de amor? a Londres en ‘Snatch’, entonces su lugar de veraneo favorito es Roma y nos invita a compartir la experiencia en una peli de espías en ‘Operación U.N.C.L.E.’ con Henry Cavill, Armie Hammer y Alicia Vikander ¿Quién podría resistirse a una invitación así?

La película es un juego de espías en plena guerra fría con Henry Cavill de agente de la CIA y Armie Hammer de la KGB. Entre medias está la chica a la que supuestamente tienen que salvar que luce el rostro de Alicia Vikander. Todo ello envuelto en un aroma de elegancia y sofisticación al puro estilo de las pelis antiguas de James Bond.

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El gran logro del director Guy Ritchie es convertir la típica historia oscura de espías de la guerra fría en un anuncio de perfume de dos horas. Manteniendo el interés, por supuesto. Una película fresca, interesante y que seduce por su encanto. Ese magnetismo radica en el repertorio de frases ingeniosas y, sobre todo, la impoluta presencia de sus protagonistas en pantalla. Para darle verosimilitud ya está Guy Ritchie con su cámara haciendo mil y una piruetas, colocando la cámara en el lugar preciso para sacar el plano perfecto y al mismo tiempo que no se note su presencia en favor de la historia. Es el estilo Guy Ritchie.

Si ‘Snatch’ era sucia, ‘Operación U.N.C.L.E.’ es la elegancia hecha película. Pero ambas tienen en común el pulso en la cámara de Guy Ritchie. Tras unos primeros minutos de una gran ambientación de la Berlín dividida, la película te envuelve en su fotografía, vestuario y el carisma de sus actores para que el espectador olvide la época en la que está ambientada la historia. Y lo hace con maestría. Al cabo de unos minutos te mete tan de lleno en la trama que te hace partícipe de la experiencia como si se tratase de la actualidad.

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Cuando te quieres dar cuenta te descubre una especie de láser que corta una valla metálica por arte de magia y durante unos segundos lo ves como algo normal porque, en fin, debe formar parte del kit de cachivaches de un espía al uso. Para cuando descubres el truco te saca una sonrisa cómplice. Porque así es Guy Ritchie, no solo es un gran guionista es también un gran director.

Operación U.N.C.L.E.’ es una gran película de entretenimiento que invita a pasar unas minivacaciones de verano en Roma con la mejor compañía Henry Cavill, Armie Hammer y Alicia Vikander. Conduce Guy Ritchie que también hará las fotos durante la estancia. Que la disfruten.

Operación U.N.C.L.E.: 7/10

PD: Vacaciones con estilo.

Lady Bird | Greta Gerwig vuela alto

‘Lady Bird’ es como esos viajes largos por carretera cuando uno está más pendiente de disfrutar del camino que de pensar en llegar al destino. El retrato de una joven de último curso, que vive sin miedo a dejarse llevar, supone un tierno y delicado torrente de emociones para el espectador. Escrita y dirigida por la maravillosa Greta Gerwig.

Una joven (Saoirse Ronan), que se hace llamar Lady Bird, apura su último año de instituto pensando en la popularidad, los chicos y la elección de la Universidad mientras que su madre trata de meterla en cintura. Una chica que no es de letras ni de ciencias que tira para artista sin oficio eso si solo hacemos caso a los temores de su preocupada madre pero que, en realidad, no es más que una joven que todavía no está segura de qué pasos tomar en la vida. Por el camino vivirá experiencias únicas e irrepetibles mientras descubre quién se esconde detrás del apodo Lady Bird que, no es otra, que ella misma.

Pero no se lleven a engaños, ella se expone continuamente en un mundo de apariencias donde al final Lady Bird acaba siendo la más transparente incluso cuando miente. Y por eso es también la más valiente. No tiene miedo a decir lo que piensa, lo que desea y lo que siente aunque eso pueda volverle loca a su madre y viceversa. Actúa sin pensar, se arriesga, aunque le puedan romper el corazón o le lleve a tirarse de un coche en marcha. Lady Bird encara la vida de frente sin parar de intentarlo y sin reflexionar demasiado.

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En realidad, Lady Bird es el nombre de una jovencísima heroína de carne y hueso. Un alias que le acompañará mientras vive el año más emocionante de instituto, el despertar sexual y el descubrir el verdadero valor de la amistad. Va abriéndose paso en el mundo a base de lanzarse a la piscina y llevándose algún que otro golpe, pero jamás pierde la esperanza de que le admitan en la Universidad de Nueva York por improbable que parezca.

La película destaca por su naturalidad y soltura a la hora de describir la vida cotidiana de una joven que sueña con volar bien lejos de Sacramento, su ciudad natal. Sorprende la facilidad con la que Greta Gerwig, directora y guionista, es capaz de cambiar el tono de una escena, sin trucos de cámara, solamente valiéndose del guión. Un guión que desborda sinceridad y que conmueve por los momentos de fragilidad de la protagonista. Sales del cine compartiendo esa confortable sensación de vértigo que siente ella ante la nueva etapa que se presenta ante sí.

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Protagonizada por Saoirse Ronan (‘Brooklyn’) que es la extensión de Greta Gerwig en la pantalla. El reparto se completa con los nuevos talentos Lucas Hedges (‘Tres anuncios en las afueras’) y Timothée Chalamet (‘Call me by your name’). Mención especial se merece Laurie Metcalf por el papelazo que hace de la madre, su interpretación aporta autenticidad a la relación con su hija. Ambas son las dos caras de la misma moneda y las dos actrices están sensacionales.

Greta Gerwig ha aclarado que ‘Lady Bird’ no es una película autobiográfica aunque sí que ha reconocido que comparte ciertos datos biográficos con la protagonista. Lo que me hace pensar en aquella escena en la que se cuenta lo mucho que cuesta distinguir la realidad de la metáfora cuando habla la joven Lady Bird. Y es que así es el cine: todo es una metáfora y, al mismo tiempo, nada lo es.

Lady Bird: 7,5

PD: Me llamo… Christine

La forma del agua | Érase una vez Guillermo del Toro

Guillermo del Toro vuelve a dar con la tecla para emocionarnos con un cuento, para nada infantil, sobre las emociones e imperfecciones que conforman el alma de las personas. Aunque cargada de romanticismo la película es más oscura de lo que pueda parecer a simple vista. En una escala cromática ‘La forma del agua’ se sitúa más cerca de Darth Vader que de una colorida tarta de fresa.

Ambientada en la oscura Guerra Fría, una señora de la limpieza (Sally Hawkins) entabla una amistad con una desconocida bestia marina que se encuentra recluida en un búnker. Mientras la extraña criatura aguarda a que los americanos se decidan qué hacer con ella, los soviéticos planean secuestrarlo aunque no serán los únicos que intenten llevar a cabo esa complicada tarea.

Sobra decir que la mujer de la limpieza es muda porque en el universo imperfecto de Guillermo del Toro quién no tenga algún que otro defectillo es porque no es humano. No importa si alguien pierde el habla o el pelo. Da igual que sea un espía ruso o un horripilante bicho marino arrancado de las profundidades del océano. Ni tan siquiera el color de la piel importa. Cómo si ser blanco o negro fuera a ser considerado un defecto de fábrica. Ni mucho menos. La belleza tiene que ver con el alma que habita bajo nuestra piel.

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La mirada de Guillermo del Toro es un chorro de Luz en el océano de tinieblas en el que vive sumergida la película. Los personajes principales son estrellas que brillan en ese mar de sombras donde los antagonistas amenazan, cuál agujeros negros, con apagar la luz de los que se atreven a brillar. Por su parte, los protagonistas son seres sencillos que llevan una vida propia, trabajan y se emocionan al escuchar una canción o al ver una película. No eligen de quiénes se enamoran y siguen sus impulsos aún sabiendo que los meterán en problemas.

El director mexicano sustituye los efectos especiales por la Verdad. Una verdad analógica, fría, tenebrosa y maquiavélica capaz de helarte el corazón. Un auténtico duelo entre la Luz y la Oscuridad de la que sale ganando el Romanticismo. Y es que la deliciosa banda sonora de Alexandre Desplat está para hincharse a llorar pañuelo en mano (con esos ecos que recuerdan a ‘Up’).

En la película predomina el color gris tanto en los decorados como en el vestuario. Destaca el uso de la ropa desaliñada de la protagonista, vestida así ni siquiera se intuye que debajo de esos harapos se pueda esconder tanta belleza. Sin olvidar la metáfora de la pastelería, la historia del espía y el guiño al Torrente de Santiago Segura. ‘La forma del agua’ abarca tantos temas como personajes tiene.

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Protagonizada por un reparto de fantasía encabezado por Sally Hawkins (‘Paddington’), Michael Shannon (‘Animales nocturnos’), Octavia Spencer (‘Figuras ocultas’), Richard Jenkins (‘A dos metros bajo tierra’), Michael Stuhlbarg (‘Boardwalk Empire’) y Doug Jones (‘El laberinto del Fauno’). Todos ellos humanizan las imperfecciones de sus personajes incluyendo el momento de duda de Shannon.

La forma del agua’ es una película que habla de las imperfecciones, las emociones y de las personas. La eterna historia de la Luz y la Oscuridad como dos fuerzas opuestas donde solo puede triunfar el Amor.

La forma del agua: 8/10

PD: Hay tanta agua que acabarás empapado

PD2: El espectáculo con el que El Circo del Sol ha homenajeado a ‘La forma del agua’ en los Baftas.

Jumanji: Bienvenidos a la Jungla | Divertidísima introspección

La nueva de Jumanji se desentiende de su antecesora para presentar un juego basado en la comedia inteligente. Película de entretenimiento con dosis de acción, ideal como remedio casero para curar los complejos de la edad adolescente. Imprescindible.

Cuatro chavales son castigados a limpiar el trastero del instituto cuando son absorbidos por un videojuego llamado Jumanji. Una vez dentro se transformarán en los avatares de sus personajes arquetípicos adoptando tanto su aspecto físico como sus cualidades y debilidades. Juntos vivirán una experiencia que irá más allá de la mera aventura por salvar el pellejo ya que se convertirá en un viaje introspectivo que jamás olvidarán.

La clave de la película radica en las personalidades de sus protagonistas. Spencer es el chico enclenque, estudioso y callado que se convertirá en el aventurero cachas hecho a la imagen y semejanza de Dwayne Johnson; Fridge es el popular deportista del High School que se transformará en un bajito doctor experto en zoología; Martha es una cerebrito de biblioteca antisocial que lucirá una imagen atractiva y atlética al estilo Lara Croft; y, por último, Bethany es la rubia que vive atrapada en la superficialidad de las redes sociales que se transformará en ‘un genio con curvas’ en irónica referencia a la oronda figura de Jack Black.

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La verdadera dificultad para los protagonistas es que deben hacer frente a las distintas vicisitudes que se van presentando durante el camino mientras descubren quiénes son en realidad. Un poco como la vida real de un adolescente. Aunque la ventaja de Jumanji es que pueden agotar hasta tres vidas antes de llegar al temido Game Over. Para evitar tal fatídico desenlace deberán aprovechar todas las cualidades de sus avatares y las de ellos mismos. Incluso la de aquellas dotes que uno posee y no cree que sirvan para nada.

‘Jumanji: Bienvenidos a la Jungla’ es una comedia de humor inteligente y de mirada inocente. Hay aventuras y los efectos especiales son espectaculares pero no son el plato principal sino que son instrumentos para crear una atmósfera épica y emocionante. Las escenas de acción se reparten a lo largo de la película para dividir los divertidísimos gags que se marcan los protagonistas acerca del descubrimiento personal. Y es que debajo de las habituales inseguridades de adolescentes descubrirán que son valientes, inteligentes y que juntos forman un buen equipo.

Protagonizada por Dwayne Johnson, Karen Gillan (‘Doctor Who’), Kevin Hart (‘El gurú de las bodas ‘) y Jack Black (‘Amor ciego’). Es genial ver la química entre ellos y cómo sacan lo mejor de su vis cómica para cada situación. ‘Jumanji: Bienvenidos a la Jungla’ pasea por el territorio de la comedia de aventuras como ‘Guardianes de la Galaxia’ pero sin tanta acción y centrándose en una cadena de gags de humor inteligente que utiliza para ganarse la complicidad del público.

El guión puede ser tachado de predecible pero la película es consciente en todo momento de eso y lo explota para tener al espectador en vilo acerca de lo que realmente quiere contar que no es otra cosa que el viaje interior de los protagonistas. Obviando así el desarrollo de la acción y la intriga de la aventura relegándolo a un segundo plano. Tal y como sucede en la serie ‘Big Little Lies’. De hecho, durante los últimos minutos nos imaginamos un final (recordando la película original) que finalmente no será como el que esperábamos. Un giro de guión en toda regla que utiliza en forma de guiño para demostrarnos de lo autoconsciente que es la película de que su punto débil es lo predecible que es. Pero no es problema sino, todo lo contrario, mejora el resultado final. Porque una de las cosas que se aprende después de ver ‘Jumanji: Bienvenidos a la Jungla’ es la de hacer de la debilidad, un punto fuerte.

Jumanji: Bienvenidos a la Jungla: 7/10

PD: Jumanji me representa.

Tres anuncios en las afueras | No disparen al guionista

Las grandes historias comienzan con una anécdota. Como por ejemplo la de una señora que, harta de esperar a que la policía resuelva el caso del asesinato de su hija, se planta y coloca tres vallas para denunciar el inmovilismo del sheriff del pueblo. Así arranca ‘Tres anuncios en las afueras’ con el pequeño gesto de una madre coraje que terminará por revolucionar la vida de la pequeña localidad de Ebbing, Misuri.

No hay que buscar tres pies al gato para encontrar paralelismos con ‘Fargo’ de los hermanos Coen así que no os aburriré con obviedades. ‘Tres anuncios en las afueras’ es obra de un guionista (y también director), Martin McDonagh, y se nota por la evolución de la historia, el desarrollo de personajes y el gusto por los detalles. Una película tan rica en matices de la que se podría sacar toda una serie de televisión para seguir indagando en el alma humana a través de los resquicios que dejan las pequeñas acciones cotidianas de los habitantes del típico pueblo donde nunca ocurre nada pero que en realidad está pasando de todo.

La belleza de la película radica en esos detalles que suelen pasan desapercibidos. Una señora que se muestra dispuesta a hacer cualquier cosa porque se resuelva el caso de su hija pero que al mismo tiempo no sería capaz ni de matar a una mosca. Una mujer que no es perfecta, todos nos ponemos de su parte cuando exige respuestas siendo la madre a la que le arrebataron una hija pero que nos deja impactados cuando la película revisa sus contestaciones, medio en broma medio en serio, a las demandas que le hacía en el pasado su misma hija adolescente.

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El guión se sustenta en la idea de que las personas no cambian solo lo hacen sus circunstancias. Todos los personajes se mueven al vaivén de los acontecimientos inmediatos y de los rumores del pueblo. ‘Tres anuncios en las afueras’ aborda temas espinosos como la violencia policial de Estados Unidos y el racismo. También llama la atención en la película como los hombres mayores se casan con mujeres muy jóvenes y atractivas; y luego el director contrapone esa imagen con la relación que tiene la protagonista con el enano. Me pareció muy curioso.

Frances McDormand es una fuerza de la naturaleza que interpreta todos los claroscuros de esa madre coraje fuera de sí pero de buen corazón. El resto del reparto está lleno de caras conocidas como Woody Harrelson (‘True Detective’), Peter Dinklage (sí, el enano de ‘Juego de Tronos’), Lucas Hedges (‘Manchester frente al mar’) y John Hawkes (‘Deadwood’), entre otros. Quién merece una mención especial es Sam Rockwell por su magnífico trabajo del policía iracundo bobalicón. Su personaje es todo un regalazo para el actor que ha sabido sacarle el máximo partido.

Tres anuncios en las afueras’ es una tragicomedia que engancha por sus diálogos ingeniosos y sus personajes tan interesantes. Es una de las mejores películas de la temporada aunque al final te deja un regusto amargo como cuando observas impotente una injusticia que sucede delante de tus ojos.

Tres anuncios en las afueras: 8,5/10

PD: Toda esa ira solo genera más ira.

The Disaster Artist | ¿Genialidad o fraude?

‘The Disaster Artist’ genera unas expectativas muy altas que al final llega a decepcionar. Sales de la sala de cine pensando que quizá todo sea una broma de James Franco y sus amigos, incluso que se trate de un fraude de película. Pero en cuanto rememoras algunas de sus escenas y su significado, te cercioras de que has estado delante de una gran obra.

La sinopsis es simple. Dos amigos (James Franco y Dave Franco), inadaptados socialmente, se van a Los Ángeles para hacer realidad sus sueños de convertirse en estrellas de Hollywood. Cuando todos los rechazan deciden hacer una película por su cuenta titulada ‘The Room’. La historia es real y la película en cuestión se rodó y es considerada como una de las peores de la Historia del Cine.

‘The Disaster Artist’ es la historia de Tommy Wiseau: productor, director, guionista y protagonista de ‘The Room’. Un personaje tan histriónico en la vida real que bien se merece una película que cuente sus andanzas. Un rebelde sin causa que respira como un genio loco continuamente perseguido por la sombra del fraude. Con el paso de los minutos cualquier atisbo de duda sobre él desaparece e invita al espectador a ser cómplice de su amigo que hace las veces de escudero de este peculiar Don Quijote supuestamente amante de las novelas de Shakespeare.

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La película se detiene a explorar el mundillo de las pruebas de casting para los actores. Resulta muy divertido y es lo mejor de la película. Luego pega un bajón cuando la acción se sucede en el set de rodaje para terminar con un final muy emotivo. De hecho los mejores planos se reservan para la escena final creo que para respetar la calidad cinematográfica de Tommy Wiseau en un guiño de ‘esta sería la película que rodaría Tommy Wiseau sobre Tommy Wiseau’. James Franco, protagonista y director de la cinta, respeta a su personaje y en cierta forma arregla el desaguisado de la película original.

James Franco hace de Tommy Wiseau, un hombre enigmático con pinta de villano que refuerza la idea del mago de Oz incapaz de engañar a nadie salvo a sí mismo. ‘The Disaster Artist’ es una oda al descubrimiento personal y el aceptarse a uno mismo. Para el papel del mejor amigo del protagonista ha escogido a su hermano Dave Franco que probablemente realice una de sus mejores actuaciones hasta la fecha. El resto del reparto prácticamente son cameos de medio Hollywood algunos muy reconocidos y otras no tanto.

‘The Disaster Artist’ es una comedia dramática divertida de un humor, en ocasiones, absurdo que no consigue arrancar la carcajada salvo si uno va cargado de sustancias psicotrópicas. Eso no significa que la peli sea inofensiva ya que encuentra un hueco para cargar contra los Harvey Weinstein de la industria, describe los mecanismos de Hollywood y coloca a su protagonista delante de un espejo para que, desde el respeto, se pueda reír de sí mismo. Porque en realidad la vida es una comedia.

The Disaster Artist: 7,5/10

PD: Lo bien que se lo han tenido que pasar los actores rodando ‘The Disaster Artist’

 

PD2: Durante un breve instante Tommy Wiseau estuvo a punto de cumplir su sueño al subir al escenario de los Globos de Oro y disponerse a decir unas palabras de agradecimiento… por el premio otorgado a James Franco como Mejor Actor de Comedia. Uy, por que poco Tommy 😀

El Gran Showman | El sueño de Hugh Jackman

Hugh Jackman se pone el traje de maestro de ceremonias para presentarnos a la tropa de la parada de los monstruos en un musical demasiado amable acerca de cumplir los sueños y el miedo al diferente. Por supuesto, ‘El Gran Showman’ hace honor a su título y el espectáculo de bailes, luz y sonido está garantizado.

Basada en la historia real de Phineas T. Barnum. La película deja a un lado el biopic para centrarse en el ascenso al éxito de un empresario circense (Hugh Jackman) que tuvo la idea de montar un show que mostrase al público las peculiaridades de un grupo de bichos raros rechazados por la sociedad. En el camino se van sucediendo una serie de número musicales bastante ágiles que da como resultado una película muy entretenida.

El Gran Showman’ se aleja de la imagen tenebrosa a la que se asocia a los freaks y los presenta como si fueran las estrellas de un espectáculo pop. Evita caer en el drama subrayando el tono dulce de las canciones y un buenrollismo un tanto exagerado. Se echa en falta ahondar en las miserias de los personajes y sus vidas estrafalarias. Elude entrar en el conflicto racial (tan actual hoy en día con Trump) y lo reduce todo a la mera cuestión social de los protagonistas.

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El resultado es un producto comercial bastante entretenido que invita a soñar. Su gran baza son los números musicales con coreografías imposibles, piruetas de cámara y unos escenarios de ensueño para enamorar al personal. Incluso desliza unas cuantas elipsis de fantasía que son un puro regalo visual. Toda la pirotecnia artística es una delicia para los sentidos. En todo momento, ‘El Gran Showman’ deja claro que su única intención es la de hacer disfrutar de un momento mágico. Y lo consigue.

Hugh Jackman lleva la batuta del circo y da gusto ver cómo disfruta cual chiquillo con cada canción. Le acompañan Michelle Williams, Zac Efron y Zendaya manteniendo el nivel bien alto. Y Rebecca Ferguson afianzando su carrera con un breve pero intenso papel.

Contiene actuaciones memorables como la de ‘This is me’, canción nominada al Globo de Oro y automáticamente apuntada a la playlist. Por momentos, la película gusta porque recuerda fragmentos de otras obras como ‘Birdman’, ‘Juego de Tronos’ o ‘La La Land’. Por supuesto, ‘El Gran Showman’ es de esas películas para disfrutar en la pantalla gigante del cine.

El Gran Showman: 5,5/10

PD: Se reirán de todos modos…

 

PD2: En 2014 le pidieron a Hugh Jackman que presentara los Tony (los Oscar del teatro) y así abrió la gala… dando saltitos como Bobby Van en ‘Small Town Girl’ (1953). Este tío nació para el teatro.

Madre!|La mujer en primer plano

‘Madre!’ es una película que la amas o la odias pero que no te dejará indiferente. Yo salí entusiasmado del cine. Y no es para menos. Darren Aronofsky nos abre las puertas de su casa para invitarnos a emprender un viaje a través de la Historia de la Humanidad. Así es de gigantesca su metáfora.

La primerísima sinopsis oficial decía algo así: Un escritor y su mujer (Javier Bardem y Jennifer Lawrence) se van a vivir al campo, lejos del mundanal ruido, en busca de inspiración para su próximo libro. Sus vidas son tranquilas hasta que un misterioso hombre llama a la puerta. Desde ese momento, se desencadenará una serie de acontecimientos que harán que toda la sociedad se presente ante la puerta de su casa. Como ya os estaréis imaginando, esta última frase no tiene ningún sentido hasta que no se encienden las luces de la sala.

Pero no vayamos tan rápido. La película arranca desde la soledad de la mujer. El director nos sitúa bajo su punto de vista y ya no nos separaremos de ella. Solo sabremos lo que ella sepa, vea y sienta. Lo que resulta una perspectiva muy interesante de la historia. Caminaremos detrás de ella por toda la casa y veremos sus reacciones a cada paso. Reacciones a determinados sucesos que van ocurriendo, comentarios sin importancia, miradas lascivas, la envidia de Michelle Pfeiffer, la insistencia masculina, el constante ninguneo, humillaciones… y, sobre todo, micromachismos. Que si, como espectadores, nos colocan desde el punto de vista de ella pues ya no parecen tan ‘micro’.

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En el centro de ese microcosmos está Jennifer Lawrence. Estamos ante una de sus mejores actuaciones y probablemente sea la más difícil de su carrera. La primera mitad de la película está llena de primeros planos de su rostro respondiendo a todo lo que vive dentro de la casa. La cámara tan cerca de la cara capta los diferentes matices de cada una de sus expresiones. No se dedica a poner el mismo careto de incredulidad para cualquier situación sino que siempre es diferente porque cada momento es distinto. Jennifer Lawrence está sensacional.

Javier Bardem juega a la anarquía con el espectador tanto como lo hace con su esposa en la pantalla. La figura de Bardem en la película es tan grande que siempre se advierte su presencia aunque no aparezca en el plano. El magnífico reparto se completa con Ed Harris, Michelle Pfeiffer (la echaba de menos), Domhnall Gleeson (y su hermano Brian) y Kristen Wiig que pasaba por allí.

Quién, desde luego, es de otro planeta es Darren Aronofsky. Dice que escribió el guión del tirón en menos de una semana. El guión es sólido, sin fisuras, y juega a la exageración hasta que exagera lo exagerado para transmitir una idea tan potente como el amor que siente el corazón de una madre. La historia roza la locura y el total esperpento pero el director no pierde de vista lo que verdaderamente quiere decir. La metáfora culmina cuando todo el peso de la sociedad recae sobre los hombros de la mujer.

Una película rica en matices, muy tensa, intrigante al más puro estilo del thriller psicológico. El juego del Ego y la Musa y el del proceso creativo. Terminé gratamente sorprendido. Uno nunca llega a imaginar cómo de una historia tan sencilla se pueda concluir con una metáfora tan abrumadoramente grande. Son por películas así por las que merece la pena ir al cine. Bravo Darren.

Madre!: 8/10

PD: Están llamando a la puerta.