Un café con spoilers: Bumblebee | La magia no está en los Transformers sino en su corazón

Bumblebee es un robot Transformer que cae del cielo huyendo de la guerra en su planeta y termina en el garaje de una joven de dieciocho años. La chavala parece la típica adolescente que va de intensa como si tuviera problemas de verdad hasta que encuentra un antiguo escarabajo amarillo aparcado en el desguace. Ella lo intenta arreglar hasta que se transforma en Bumblebee. Una película de ciencia ficción que se transforma en un auténtico viaje emocional hacia el corazón de la chica. Ese es ‘Bumblebee’ y te robará el corazón.

La verdadera sorpresa de la película es que arranca como una historia más de la saga Transformers para convertirse en un drama juvenil. ‘Bumblebee’ se podría resumir en el encuentro de dos inadaptados sociales que van por la vida escondiéndose y protegiéndose del resto con corazas (o armaduras en el caso del robot). Como si fueran dos de los castigados en la biblioteca de ‘El club de los cinco’.

Acostumbrado a ver las películas de la ciencia ficción donde el chico tímido y callado se convierte en superhéroe y las chicas son meras acompañantes, ‘Bumblebee’ le da la vuelta a todo eso cuando convierte a la chica borde en el eje de la historia. No diría invisible porque su vecino está colado por ella, sino borde. Una chica imposible de impresionar y más aún de poder llegar hasta su corazón. Pero el director Travis Knight tiene la llave que abre todas sus corazas para que, como espectadores, lleguemos a sentir y tocar el corazón de la auténtica heroína valiente, fuerte y sensible.

Ahí radica la magia de la película, a partir de una historia de ciencia ficción se puede llegar hasta el corazón más protegido. Comienza como una peli pura de Transformers para convertirse en un drama con tintes de ciencia ficción y con toques de humor, un tanto infantiles pero efectivos. Lo mejor de la película es que uno va al cine con las expectativas de conocer a Bumblebee y te acabas enamorando de la chica. Lo cual le aporta de una extraordinaria dosis de humanidad a la saga Transformers de la que carecía gravemente.

La saga Transformers se había transformado en robots que se pelean con robots y nadie sabía por qué luchaban. Ahora con ‘Bumblebee’ lo sabemos, porque hay una serie de personajes, sobre todo la protagonista, por lo que vale la pena luchar y proteger. Hay un componente emocional por lo que vale la pena arriesgarse y lanzarse a la piscina.

Personalmente me recuerda narrativamente al Mago de Oz. La chica protagonista es una especie de Dorothy y su nuevo amigo Bumblebee es la suma del inteligente espantapájaros, el robot con corazón y el valiente león. Los dos juntos, sin proponérselo, seguirán el camino de las baldosas amarillas que les llevará a lo más profundo de su alma donde encontrarán la fortaleza para hacer frente a los Decepticons, los robots villanos de la peli. ‘Bumblebee’ es una película que se viste de ciencia ficción pero que en realidad es un viaje emocional, el de la protagonista.

Se trata de un rejuvenecimiento de la saga Transformers donde se combina el encanto juvenil con las tramas de robots. Los efectos especiales encajan a la perfección con la acción real y existe auténtica interacción. Sin embargo, en la parte narrativa de los robots sigue flojeando. Aunque la batalla final es muy emocionante y funciona bastante bien por su concisión en las escenas de acción y su tono dramático que termina en un pequeño torrente de emociones, lo que la hace perdurable.

De una bella factura visual contiene imágenes icónicas y pequeños guiños ochenteros muy simpáticos. Dirigida por Travis Knight de ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’ y protagonizado por una guerrera y emocional Hailee Steinfeld (‘Al filo de los diecisiete’) que le aporta frescura a la saga, John Cena (‘The Wall’) y Pamela Adlon (‘Better Things’).

Un buen reinicio de la saga Transformers que marca el camino a seguir de la franquicia virando el rumbo hacia la combinación perfecta de acción de efectos visuales y el contar una historia con personajes y emociones reales. Hay necesidad de más sobre todo porque terminas con ganas de conocer más acerca de la amistad entre los dos protagonistas. ‘Bumblebee’ tratará de impresionarte por la acción pero te ganará por su corazón.

Bumblebee: 6,75/10

PD1: Recuerda que él tiene más miedo de ti que tú de él.

PD2: El abrazo final.

PD3: La protagonista Hailee Steinfeld presentando la canción ‘Back to life’ de la banda sonora de la peli durante la gala de los MTV EMA celebrada este año en Bilbao.

Tiempo después | La tira cómica para los santos inocentes

Érase una vez en el año 9177, mil años arriba o abajo para no pillarnos los dedos, en el que la Humanidad reside en un único edificio. Todo lo demás es desierto donde por tribus se aglutinan los parados de larga duración. Un buen día, un pobre desgraciado decide cambiar su status de parado para ponerse a vender limonada como autónomo dentro del edificio. Pero el férreo orden jerárquico del sistema capitalista se lo impide porque el pobre debe permanecer en el lugar donde le corresponde sin ninguna posibilidad de ascender en la escala del edificio. Así arranca ‘Tiempo después’ una comedia, más que absurda yo diría que conceptual, en el que al final siempre acaban pagando los mismos.

Básicamente es una tira cómica para los santos inocentes donde se representa metafóricamente la España actual donde los pilares fundamentales del capitalismo (o sea, los bancos) se sostienen (son rescatados) por los mismos. Los santos inocentes. Los ciudadanos de a pie.

La película es una cadena de gags de mejor o menor humor en el que cada gag por separado no funciona pero en conjunto resulta una comedia conceptual de lo más interesante acerca del capitalismo.

Los gags de la rivalidad entre barberos de Arturo Valls y Berto Romero es de lo mejor de la película. Uno soso mantiene abierta cada día su barbería vacía y el otro, con don de gentes, consigue llenos diarios. No ya por la calidad sino por la labia propia de un showman o la de un youtuber.

Por ahí andan Manolo Solo como un alcalde indeciso que no quiere tomar decisiones, Gabino Diego como el Rey (de bastos) apático y aburrido de darse la gran vida, y en el centro de toda una vorágine de personajes más o menos alocados, absurdos y de verborrea estrafalaria que suena de épocas cervantinas… hay un personaje, el de Blanca Suárez, que representa la idea de la sensatez. Alguien a quién todo el mundo gusta por su inteligencia y elegancia a la hora de llevar los asuntos de Estado. Es un personaje de lo más interesante aunque poco explorado.

‘Tiempo después’ es una comedia conceptual bastante peculiar que si entras en su juego se disfruta pero si no, no. Si le das la oportunidad te sentirás reflejado en el buen hombre que un día se levanta con ganas de ganarse el pan a base de vender limonada. Y serás cómplice de todo el revuelo que se armará después a costa de esos limones.

Pero si tiempo después no entras en su juego, habrá merecido la pena solo por ver a esa masa flácida de jóvenes indignados, otrora motor de grandes cambios sociales, que en la película son representados por un grupo de chavales, seguramente tuiteros, cansados de la indignación que produce la indignación del mundo que a su vez causa la primera indignación provocando un corte espacio-temporal de indignación que… mira, yo no los entiendo. Pero gusta ver cómo se indignan de su propia indignación para utilizarlo como excusa para poder vivir pasando de todo sin verse en la obligación de no tener que hacer nada. Y encima se creen mejor que el limonero.

Dirigida por José Luis Cuerda, ‘Tiempo después’ es catalogada como la secuela espiritual de ‘Amanece, que no es poco’, un clásico de nuestro cine. Participa un reparto coral que es de auténtico lujo con Roberto Álamo, Carlos Areces, Manolo Solo, Arturo Valls, Blanca Suárez, Miguel Rellán, Berto Romero, Joaquín Reyes, Raúl Cimas, Antonio de la Torre, Gabino Diego, Andreu Buenafuente y César Sarachu.

Tiempo después’ es una comedia difícil que te recompensará con una moraleja que bien vale la primera cuota de autónomo. O sea, que es una moraleja de mucho valor. Y es que por mucho que nos indignemos, el capitalismo siempre gana. ¿Y qué consuelo nos queda? Pues que amanece, que no es poco.

Tiempo después: 6,50/10

PD: “No seas tonto que te vas a desnaturalizar”.

PD2: “Nunca gana el ganador, siempre pierde el perdedor…” del temazo de Joaquín Sabina para la película ‘Tiempo después’.

Un café con spoilers: Roma | La masterclass de Alfonso Cuarón

Hay gente que sueña con el cielo cuando friega el suelo. Qué tontos. Jamás lo conseguirán pero ellos no lo saben. Hay gente con tan mala suerte que ha nacido para perder. Qué tontos. Por mucho que lo intenten jamás lo conseguirán pero ellos no lo saben. Se lo puedes decir en mil idiomas que jamás lo entenderán. Ellos seguirán erre que erre con su causa, en su cabezonería. No puedo imaginar qué clase de fuerza interior les tiene que mover por dentro para que sigan nadando contra viento y marea. Todo eso y más se esconde detrás del enigmático título de ‘Romade Alfonso Cuarón.

Eso sí. No esperen milagros. No los hay. Cuando la vida golpea, siempre lo hace dos veces. No hay palmaditas en la espalda, ni grandes heroicidades. Se trata de la magia de las pequeñas cosas que se esconden a simple vista en el segundo plano. Una película que es una oda a esos momentos invisibles que nadie ve. Cuando aparentemente no está pasando nada y está pasando de todo. Y es por eso por lo que, como espectadores, lo hacemos nuestra, por compartir esos momentos íntimos cuando nadie nos está mirando. ‘Roma’ es de una sensibilidad tan delicada que es capaz de emocionar en cualquier momento.  

La magia de un abrazo, la magia de saber esperar tu turno para hablar, la magia de no saber qué hacer y tirar para adelante, la magia de arrepentirte de haberte arrepentido cuando lo ves por primera vez masacrado por la mala suerte. Y aún así, hay qué ver, era lo más hermoso que había visto nunca. La belleza pura. La pura injusticia de la vida.

‘Roma’ es magia. La magia concentrada en los momentos breves de la vida diaria desde la perspectiva de las criadas que se encargan de cuidar de los niños y de la casa que relata la película. No se puede decir más de la sinopsis, tienes que verla. O mejor, tienes que ir descubriéndola.

La grandeza de la película radica en la fotografía. Una composición fotográfica impecable de las que hacen Historia en el Cine. Todo está perfectamente desordenado y desaliñado. Pero tampoco está tan perfecto para que parezca que sea perfecto lo cual hace que sea aún más perfecto. Para entender bien de lo que hablo tienes que verla.

Una fotografía que bebe del cine clásico, de obras anteriores del propio Cuarón y de amigos, y de los grandes maestros de la pintura como el uso de la luz y de la lluvia para marcar la profundidad de campo o como aquella otra escena del perro a quién le colocan delante de su destino de una forma que recuerda a ‘Los fusilamientos’ de Goya.

Alfonso Cuarón crea un microcosmos en cada uno de los fotogramas. En un mismo plano pueden estar sucediendo varias historias interesantes al mismo tiempo. El plano está compuesto de una belleza tan magistral que te redirige la mirada hacia la principal y otras, en cambio, hacia la secundaria. ‘Roma’ respira como se respira en la realidad, cada plano tiene vida propia, está en continuo movimiento, todo el mundo actúa independientemente y parece que nadie está al servicio de una historia principal.

La sensación que transmite al espectador es que realmente nos hayamos colado en un pedacito de realidad de la vida de estas personas. Es como si observásemos como viven, sufren y aman pero al mismo tiempo la realidad va a su bola y en cualquier momento podría estallar una revolución en las calles. Es como si salieras del cine con tu pequeño gran drama y a nadie le importara. La vida sigue porque la vida tiene que seguir.

Hemos hablado de que el movimiento forma parte de la fotografía de la película pero también el ruido y los silencios. La escena en la que la protagonista espera pacientemente su turno para hablar en el sofá es profundamente emotiva. Es como si de una parte del plano emanara una fuente de silencio que ni los gritos de los niños fueran capaces de distraernos a nosotros, los espectadores. El film está lleno de silencios pero la magia de la película radica en que es capaz de narrar a través de las imágenes.

Tampoco hay grandes discursos. Ni se alza la voz en ningún momento frente a las injusticias. A veces las historias se cuentan por sí solas. Como la metáfora del coche y la enorme entrada (¿triunfal?) del Rey de la Casa. El típico descuido tonto porque las mujeres no saben conducir. O el típico “no es culpa vuestra”.

Y en el medio de todo eso, un niño. Un niño que dice haber vivido muchas vidas. Un niño demasiado niño que le toca ser el primero en morir en las historias fraternales. Un niño que no se da cuenta de que está siendo criado por mujeres excepcionales. Un niño que todavía no lo sabe pero que ya sueña con conquistar los corazones de medio mundo con una historia de astronautas atrapados en el espacio, probablemente absurda. Ese niño ya se ha hecho mayor y se llama Alfonso Cuarón y ‘Roma’ es la historia de las mujeres que le criaron en casa. Un homenaje a todas ellas.

No te pierdas la magia que se esconde en ‘Roma’ de Alfonso Cuarón. Y después de todo lo escrito en esta reseña estoy casi completamente convencido de que la película os va a decepcionar. Es normal, forma parte de la magia y de la vida.

Roma: 9,50/10

PD: No importa lo que te digan. Siempre. Estamos. ROMA.

PD2: Dos apuntes más: 1) El VAR dice que no hay fallo de raccord. Y 2) Sí, lo has pillado, es un juego de palabras que tiene un nombre…

Yuli | El llanto mudo del artista por Icíar Bollaín

El cuento de un niño cubano que llega a convertirse en uno de los bailarines más importantes de la danza. Un biopic bastante original en el que el protagonista relata su propia vida en primera persona, literalmente. Nos sumergimos en La Habana para centrarnos en una pequeña historia llena de baile y vitalidad porque hay más vida más allá de la Revolución cubana. Así es ‘Yuli’, luminosa, radiante y triste.

Resulta un biopic atípico porque es el propio Carlos Acosta el que lleva el hilo de la historia y es el propio niño quién no sueña con ser artista sino más bien con llegar a ser como su ídolo el futbolista Pelé. Es el empuje de su padre que está empeñado en que salga de la isla para que triunfe bailando en los teatros de todo el mundo lo que funciona como motor de la historia.

La película está basada en una historia real que cuenta el propio protagonista. El guion muy inteligente al principio se va apaciguando según avanza. Y es que la historia del niño con el padre resulta tremendamente interesante pero no termina por contarla del todo.

Por lo visto en la película y con todo el respeto y la cautela (porque se trata de una historia real y no de ficción) vamos a ir desgranando la historia. Me parece clave la escena donde el padre le dice al hijo que su hogar está en otra parte que suena como a destierro familiar. Como un ‘tú no eres bienvenido aquí, márchate’. El empujón tóxico del padre que quiere ver a su hijo triunfar porque, dice, tiene mucho talento suena como a una sobrecarga de presión para el hijo. Donde tiene la condena de triunfar porque tiene mucho talento y su padre se sentirá orgulloso de sus éxitos; y si en el intento fracasa la culpa es del hijo por no saber gestionar ese talento. En cualquier caso, el hijo pierde y el padre gana.

El destierro familiar como un empujón para el éxito. Es lo que yo extraigo de ‘Yuli’ del visionado de la película sin conocer los detalles de la historia real del bailarín protagonista. Una película hermosa por una fotografía luminosa de Álex Catalán y viva pero que transmite la mirada triste del artista, Carlos Acosta.

La película describe las emociones profundas del protagonista a través del baile. La directora Icíar Bollaín nos deleita con unas piezas de baile de un gusto exquisito. Comienza presentando el baile prestando especial atención al movimiento de los músculos de los bailarines, dramatizando el baile con la iluminación y los claroscuros, juego de sombras, y llegado el momento le otorga el color y la envergadura de quién camina sobre las masas. Icíar Bollaín realiza un viaje a través de la Historia del Cine a partir de las diferentes piezas de baile que es una delicia audiovisual de un gusto exquisito. Un auténtico regalo para los más cinéfilos.

Es una película para disfrutar del viaje vital del protagonista que nos cuenta las experiencias que más le han marcado bajo la cuidada dirección de Icíar Bollaín. Con guion de Paul Laverty que funciona como un tirar de la cuerda entre el protagonista y su padre. Mientras el chaval sufre por su éxito y tiende a tirar para casa, se ve obligado a aguantar los arreones de su padre que le empuja fuera de la isla, su hogar.

Una película emotiva de una bella factura visual. Un drama de buen gusto sobre la soledad del artista. Conoce a ‘Yuli’, la historia del niño que no quería ser artista.

Yuli: 7,25/10

PD: “Ven aquí, díselo a todo el mundo ¿Qué eres?”

Un café con spoilers: Ha nacido una estrella | El alma rota del artista por Bradley Cooper

Nos encantan las historias de quiénes luchan por conseguir sus sueños. Te cuentan cómo alguien con cierto talento, muchas horas trabajadas, constancia, un poquito de locura y una pizca de suerte consigue alcanzar el sueño de convertirse en una estrella de la música. Pero lo que no te cuentan es lo que sucede cuando se apagan los focos, lo que hay detrás del escenario, la soledad, las horas bajas del artista, la historia del juguete roto. Bradley Cooper te lo cuenta en ‘Ha nacido una estrella’ con Lady Gaga.

Lo que más llama la atención de la sinopsis oficial de la película es que Lady Gaga interpreta a una artista emergente de la música. Qué digo emergente, aficionada. Un artista consagrado (Bradley Cooper) sale una noche a tomar algo y se la encuentra actuando en un bar de copas. Pese a su estado de embriaguez él cree haber encontrado a la próxima Lady Gaga.

Es como encontrar la aguja en el pajar. La película arranca con la emoción y el estilo vibrante de quién descubre a Lady Gaga entre la multitud sin que ella misma sepa todavía que es Lady Gaga. Un comienzo que hace soñar con imágenes icónicas, improvisadas noches de ensueño e inolvidables saltos al vacío.

Mientras la muchacha se deja llevar por el momento, su nuevo padrino en el mundo de la música le llenará la cabeza de grandes frases positivas que no harán otra cosa que afianzar su confianza en ella misma. Sin embargo, como espectador uno no sabe si detrás de todas esas frases tan profundas se esconde el noble objetivo de ligar o si esconden algo más. La película toma la vertiente de indagar en la maltratada alma del músico alcohólico.

El personaje de Lady Gaga se convierte en una estrella emergente con sus convicciones, sus dudas y sus inquietudes plasmadas en un papel. Mientras, la película muestra más atención a la estrella en decadencia que se convierte en un agujero negro y el riesgo que somete a quiénes se acerquen de arrastrarles con él hacia lo más hondo del pozo de la penumbra. Y sin embargo, puede estar tirado en la lona acariciando el KO y tener un momento de destello como su primer acorde, tan chispeante, con la guitarra en la actuación de ‘Pretty Woman’.

Una secuencia que arranca con un golpe que va directo a las costillas del personaje y que evoluciona hacia un patetismo que, al final, el golpe emocional se lo lleva el espectador. Bradley Cooper muestra las arrugas de su personaje a través del diálogo y entre las rendijas deja entrever una pequeña parte de su alma rota. Se atreve a no ser amable con su propio personaje pero sí que llega a ser justo con él.


El director Bradley Cooper decide evitar los flashbacks para construir su personaje a través de lo que dice y lo que hace sugiriendo que la opinión que tiene él mismo de su propio pasado puede no coincidir con la realidad. Por lo que la película resulta muy benévola con el personaje de Sam Elliot. Destaca la sensación que despierta algunas frases dichas por el protagonista que llegan al espectador como los lejanos ecos de un flashback, el de un niño que juega despreocupado con su trineo visto hace una eternidad en alguna de esas pelis antiguas de blanco y negro.

Se trata del debut en la dirección de Bradley Cooper y lo hace con una historia sobre el lado oscuro del éxito y los juguetes rotos. Una película sobre el mundo de la música que es para estar agradecido. Cuenta con una fotografía impecable, a veces demasiada, la construcción del relato parece un poco encorsetada y le falta cierta fluidez. Pero para ser una ópera prima resulta bastante prometedora y causa mucha curiosidad. Está protagonizada por el propio Bradley Cooper que está sensacionalmente duro y vulnerable dejando ver hasta las entrañas, y por Lady Gaga que brilla con un personaje cargado de emociones. Una interpretación que a mitad de la película te olvidas de la figura de Lady Gaga y solo queda su personaje. Acompañados por Sam Elliott (‘Deadwood’).

Estamos ante un drama romántico con carácter. El del carácter de un artista atormentado en decadencia, el retrato de un Van Gogh del Siglo XXI. Una nueva versión de ‘Ha nacido una estrella’ deslumbrante y emotiva donde se disfruta mucho de la música y se sufre con sus personajes. Una película que te acompañará durante meses.

Ha nacido una estrella: 7,50/10

PD: “Como no escarbes en tu alma…”

PD2: Shallow, de Lady Gaga y Bradley Cooper.

PD3: Maybe it’s time, Bradley Cooper

PD4: Look what I found, Lady Gaga

PD5: Always remember us this way, Lady Gaga

PD6: I’ll never love again, Lady Gaga

Seminci 63: Notti Magiche | Y comedia italiana de postre

Una suerte de comedia italiana a lo Woody Allen se cuela  en la Seminci para realizar una sátira ligera sobre el mundo del cine. Un paseo entre rodajes y guionistas por la Roma más cinematográfica. Una simpática comedia te espera en ‘Notti magiche’.

La película arranca con una escena memorable para que luego presentar a tres jóvenes aspirantes a guionistas de cine moviéndose entre bambalinas como novatos. La película utiliza la investigación policial por la muerte de un productor como excusa para contar, en forma de flashback, las aventuras y desventuras de estos tres incipientes escritores.

11 PAOLO VIRZÌ - NOTTI MAGICHE

Una comedia muy entretenida que recuerda a las pelis de Woody Allen que mostraba el otro lado del decorado de Hollywood. ‘Notti Magiche’ nos sitúa en los famosos estudios de Cinecittà de Roma de los cercanos años 90, en las oficinas de los productores, en las (ya icónicas) salas llenas de guionistas con las máquinas de escribir echando humo, mientras que de vez en cuando nos topamos con algún maestro director italiano.

‘Notti Magiche’ cuenta con un buen guión ágil que le da un toque divertido y desenfadado a la película. Aunque la ambientación parece que esté poco trabajada, la película es muy agradable de ver y accesible a todo el mundo. Está dirigida por Paolo Virzì y cuenta de secundario con Giancarlo Giannini.

Se trata de una película muy disfrutable e inspiradora. Tiene ese toque mágico que le da las estrellas del cine, la ciudad de Roma y la ingenuidad de los jóvenes guionistas. ‘Notti Magiche’ es una comedia agradable y deliciosa que invita a soñar en una noche estrellada de Roma.

Notti Magiche: 6,50/10

PD: Como decía siempre mi mamá “mira siempre por la ventana”. ¿Que qué quería decir? Boh.

Seminci 63: Genèse | Los primeros (des)amores

Un interesante drama romántico adolescente sobre los primeros (des)amores. Una película correcta que destaca por el desarrollo de las situaciones amorosas de los jóvenes. Una cinta con cierta frescura juvenil, es ‘Genèse’.

La película se centra en la historia de una joven que decide cortar con su novio cuando éste le propone una relación abierta. A partir de ahí se lanza nuevamente a buscar un nuevo amor pero no encontrará más que ranas en el charco de príncipes. Por otra parte, la película también narra la historia de un chaval que se encuentra enamorado de su mejor amigo. Lo mantiene en secreto mientras trata de externalizar una falsa seguridad que denota una gran falta de confianza en sí mismo.

10 PHILIPPE LESAGE - GENESE

Se trata de un drama romántico juvenil que comienza muy prometedor pero que se va diluyendo según lo van haciendo las esperanzas en el amor de los chavales a lo largo de la película. De un estilo sobrio refleja muy bien esa relación distante que tiene los protagonistas con su entorno. Contiene escenas de denuncia social como aquella bajo la lluvia del incidente en la fiesta.

Aunque la película camina hacia el lado más amargo del amor, el director termina por cambiar de escenario y de protagonistas. Lo hace para contarnos una historia completamente nueva entre un chavalín y la chica que le gusta que cierra la película de una forma muy tierna y bonita y, al mismo tiempo, esperanzadora.

Genèse’ es una película que es para dejarse llevar por las historias de los chavales aunque puede que se haga un poco larga. Una película correcta sobre los fríos desamores de la adolescencia.

Genèse: 6,50/10

PD: ‘Genèse’ es la gran triunfadora de la Seminci 63 tras alzarse con la Espiga de Oro a la Mejor Película. Además se llevó otros dos premios más como el de Mejor Director y Mejor Actor.

Seminci 63: Utoya. 22 de julio | La pesadilla, en primera persona

El 22 de julio de 2011 un ataque terrorista golpea Oslo, la capital de Noruega. Muy cerca de allí en la isla de Utoya unos jóvenes disfrutan de un campamento de verano. Algunos ni siquiera conocen la noticia, otros van corriendo la voz, apenas hay cobertura en la isla. Nadie sabe que el autor del ataque se encuentra allí con la intención de matar a cuántas personas se encuentre a su paso. Así es la pesadilla de ‘Utoya. 22 de julio’.

‘Utoya. 22 de julio’ comienza presentándonos a su protagonista de la que ya nunca más nos separaremos de ella. La cámara adopta un punto de vista subjetivo que persigue a la protagonista allá adonde va. Y lo hace con movimientos propios reaccionando a lo que va aconteciendo individualmente del resto de personajes. De esta forma es como si la película nos transportara en primera persona a través de la cámara que funciona como un ente propio que sigue a la protagonista. Así nosotros desde la butaca del cine perseguimos a la chica protagonista y la cámara se convierte en nuestros ojos dentro de la acción. Una delicia cinematográfica si no fuera porque la historia es una pesadilla de la que hay que escapar en primera persona.

09 ERIK POPPE - UTOYA 22. JULI

Se trata de un thriller con tintes del género de terror con una amenaza invisible pero muy presente a lo largo de toda la película. La cámara en mano le da autenticidad a la historia. Está rodado en un formato de plano secuencia muy elaborado y de un gusto exquisito. Un plano secuencia fundamental para generar tensión y plasmar el realismo del terror y el pánico de ver a gente corriendo despavorida. O incluso todo lo contrario, el miedo que da la calma y la angustia de toparse de repente con el asesino. A todo esto se suma que se trata de una isla de la que parece quedan atrapados sin salida a la espera de un rescate.

La película está rodada en tiempo real con un metraje de hora y media que es justo lo que duró la pesadilla de Utoya. Resulta vibrante, frenética por momentos y aguanta la tensión hasta el último minuto. Mantiene vivo el caos de la situación, la idea de que hay un asesino campando por sus anchas por la isla y la urgencia de buscar un refugio donde esconderse. Aunque consigue mantener la tensión hasta el final puede que de tanta tensión acumulada llegue a cansar. Resulta tan abrumadora que te puede sacar de la historia. Eso no quita para que la película sea en su conjunto un peliculón que no te puedes perder.

La película es toda una proeza de dirección de cámara con un gran trabajo de la actriz protagonista. ‘Utoya. 22 de julio’ más que una película es una experiencia sensorial inolvidable. Un thriller de puro género de terror que sorprende a los espectadores pero que para los auténticos supervivientes de aquel día fue toda una pesadilla de la que todavía hoy siguen sin poder olvidar. Y nosotros tampoco deberíamos para evitar que tragedias como estas se vuelvan a repetir.

Utoya. 22 de julio: 7,50/10

PD: Plano secuencia en primera persona.

Seminci 63: Mi obra maestra | La extraña pareja del arte

La comedia argentina junta a un artista que pinta cuadros con un galerista que los vende. El primero es un pintor cascarrabias y el otro es un simpático vendedor capaz de sacar plata del Arte. Pero ¿qué es el Arte? La película ‘Mi obra maestra’ indaga sobre esta cuestión de una forma muy divertida y desenfadada.

Una mirada traviesa del mundo del Arte que va desde el genio atormentado que pinta cuadros sin parar en su casa destartalada y desordenada hasta el galerista estiloso que hace lo posible por vender un cuadro como una obra artística. Juntos forman una extraña pareja que se necesitan irremediablemente. Una historia sobre la amistad que va mucho más allá del Arte.

08 GASTON DUPRAT - MI OBRA MAESTRA

La película arranca con dos gags muy simpáticos sobre todo el del personaje de Raúl Arévalo que quiere aprender del maestro de la pintura. ‘Mi obra maestra’ es una comedia que trata de forma pícara el proceso creativo, la personalidad del artista, la venta de las piezas de arte o el gusto artístico de los clientes. Es un poco todo. Pero desde el punto de vista de la comedia liviana y bonachona.

En la parte final de la película cambia el tono hacia una comedia un poco más de peso con cierta crítica al mundo del Arte. No llega a ser tan contundente como el Banksy que se autodestruye pero sí una mentirijilla de caradura simpática. Por allí les sorprenderá un personaje que representará la moral en el Arte.

Está protagonizada por Guillermo Francella, Luis Brandoni y Raúl Arévalo. Dirigida por Gastón Duprat, autor de ‘El ciudadano ilustre’, presenta una nueva comedia divertida y un tanto convencional aunque con un puntito muy interesante. ‘Mi obra maestra’ es una película que es para dejarse llevar por la comedia argentina y sus simpáticos personajes.

Mi obra maestra: 6,50/10

PD: Lo has ordenado perfectamente, tú no vales para el arte.

Seminci 63: La quietud | El gusto por el melodrama

La Seminci guarda un espacio para el melodrama romántico con ‘La quietud’. La finca que da nombre al título de la película y que es donde reside la familia protagonista. La película esconde muchos secretos y traiciones pese a la aparente quietud.

Se trata de un melodrama romántico con tintes eróticos que se va enredando en función va avanzando la trama. El director Pablo Trapero presenta a los personajes de una familia con grandes lazos. La escena de las hermanas presenta una relación de íntima comunicación y de gran amistad pese a sus romances conflictivos en el pasado. Parece una relación que ha superado grandes dificultades y que todo está más que hablado y perdonado. Pero la trama se retorcerá.

07 PABLO TRAPERO - LA QUIETUD

A medida que van apareciendo más personajes más se va enredando hasta convertirse en un melodrama romántico con algún tinte de telenovela por situarse la acción en una finca opulenta con una matriarca de fuerte personalidad. Una película que comienza muy sensual y camina hacia un enredo del enredo muy interesante.

La dirección de Pablo Trapero se centra en la presentación de personajes y situaciones donde destaca la escena del tanatorio donde la cámara camina de una acción a otra dentro del mismo escenario. Sin duda lo mejor de la película donde el director despliega su destreza en el manejo de la cámara y del baile de personajes.

Está protagonizada por un reparto muy interesante con Bérénice Bejo, Martina Gusman, Graciela Borges y Edgar Ramírez (‘El asesinato de Gianni Versace’). ‘La quietud’ destaca por su gusto del melodrama romántico.

La quietud: 6/10

PD: Estreno previsto en España para noviembre.